TOC TOC

5º año consecutivo en la cartelera madrileña, 500.000 espectadores, 1200 funciones. Son datos espectaculares, no la podía dejar de ver, fui. El teatro lleno, cola para entrar, público de todas las edades y tipologías, una amplia platea y un escenario abierto (¿pudo haber sido un teatro de revista?), un buen programa de mano, la función va a comenzar.

Toc Toc Crítica Jon Sarasti TOC TOC
De Laurent Baffie, en versión española de Julián Quintanilla.
Actúan Esteve Ferrer, Inge Martín, Sara Moros, Ana Frau, Africa Gozalbes, Miguel Foronda y Fran Sariego.
Escenografía de Ana Garay.
Iluminación de Juanjo Llorens.
Dirige Esteve Ferrer.
Teatro Príncipe Gran Vía, temporada 2013-14.
 

En la consulta van apareciendo los pacientes, todos aquejados de una patología maniática sencilla, que les permite vivir pero complica la vida a los que viven con ellos. Son personajes cómicos muy tiernos y sencillos, todos ellos ridículos, que sufren con su manía, por lo que al espectador no le resulta gravoso reírse de ellos, no hay conflicto en la risa. Ellos mismos se ríen unos de otros, y de sí mismos.

TOC-TOC Crítica de Jon SarastiLa virtud del texto está en no contraponer ningún “sano” a los maniáticos enfermizos. Entre los enfermos arman la terapia, y es una terapia esforzada, incluso angustiada, pero siempre malograda. Pobrecitos ellos, el agresivo ambiente urbano no permite la relajación mental, tendrán que convivir con su manía y relacionarse con ella. Salvo un golpe de efecto final, bastante tontorrón, la comedia es lineal, sin conflicto. El único conflicto, la curación imposible de la manía, suscita una interminable sucesión de pruebas, ensayos y fracasos, que se sustentan en la clave cómica inicial, no evolucionan. Así que la comedia, si te hace feliz desde el principio, feliz acabas. Como no sea así, sufrirás el interminable ensayo de los maniáticos compulsivos.

Esteve Ferrer se ha hecho cargo de este título desde el principio, ha dirigido la producción en Barcelona, y desde hace un año al menos, protagoniza la comedia desde el personaje del taxista computador. Y dirige como un domador de circo, no digo que lo haga mal, solo que mantiene a todas las fieras enjauladas, mientras él ruge de manera desaforada. A mí me molesta el grito, y en esta producción han engrosado el trazo cómico hasta perder toda sutileza. ¿Se han adaptado a lo que pedía el público? Si, han brindado a un público poco exigente la comedia comprensible que demandaba. Ahí están los resultados de taquilla.

Todos los intérpretes son estupendos profesionales, y como tales repiten el producto midiendo los esfuerzos. El personaje de Miguel Foronda machaca a las señoras (posiblemente respondiendo a exigencias del público), se agradece la edad de los actores Foronda y Ana Frau (un personaje muy bonito), y los tres más jóvenes tienen el encanto dosificado por escenas. El espacio de Ana Garay es muy efectivo y resuelve el complicado escenario, tan ancho, del Teatro Príncipe. Pero tanta ampulosidad no se ve aprovechada con la pequeñez de los personajes, al contrario, los maniáticos se reparten el espacio como celdas (o jaulas de zoológico). A mí me resultó tremendamente plana en todos los sentidos, pero como ya he dicho, al público le gusta.

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UBU ROI

Declan Donnellan, un afamado el director, prestigioso por escenificar Shakespeare a la antigua,  presenta una versión de Macbeth que tiene 100 años: UbuRey, obra precursora del teatro absurdo. Esta producción lleva un año de éxito en Francia, pero se hace pesada la añoranza del original, así como una versión versionada algo floja, aunque el trabajo no deja de estar bien hecho.

UBO ROI by Jarry-DonnellanUbú Rey de Alfred Jarry

Dirección Declan Donnellan (Cheeck by Jowl)
Escenografia Nick Ormerod
Actúan Xavier Boiffier, Vincent de Bouard, Camille Cayol, Christophe Grégoire, Cécile Leterme, Sylvain Levitte.
Producción del Centro Dramático Nord-Pas de Calais.
Una mirada al mundo, Festival internacional del CDN, María Guerrero 26 al 29 de septiembre 2013.
 

Cuando Jarry vivía UBO ROI by Jarryla vanguardia parisina de finales del XIX, utilizó un escrito farsesco de escuela para crear la serie Ubú, textos irreverentes, surrealistas, basados en Macbeth y en Ricardo III de Shakespeare. En ellos se establecía una equivalencia entre el profesor y el héroe del mal, dejando al profesor como un monstruo pretencioso que oculta pasiones inconfesables: comida, bebida, sexo, dinero, poder, junto a una patética cobardía y una arbitrariedad que solo ejerce sobre los más débiles.

Ubú habla mal, y dice “mierda” de manera incorrecta (lo tradujeron “mierdra”, pudiera decir “merda”, “mierde”, “kaka”), es un zafio pretencioso y con poder. Ubú Rey se ha utilizado en infinidad de escenificaciones de todo tipo para subir a escena el teatro gore, para satirizar a los sátrapas del sistema político (Boadella y todas sus versiones de Ubú President), para hacer música punk, etc.

Donnellan vuelve al origen mismo del texto, al jovencito escolar que escribe una farsa afilada sobre toda simulación burguesa: una familia francesa cena con amigos, mientras tanto, tumbado en el sofá, el adolescente rebelde juega con la cámara de video a imaginar cómo sus padres podrían devorar al amigo, violarlo y robarle la cartera; así, el adolescente tendría la ocasión de entrar en la batalla para matar con placer a su padre el sucio, para ver a su madre enloquecida y para vengarse de todos los que le molestan.

En el escenario vemos laUBO ROI by Jarry recreación de la casa burguesa (acomodada, de buena posición), los preparativos de la cena (el padre cocina, la madre se maquilla y adorna la mesa). El adolescente, cámara en mano, se mete en el retrete y nos enseña en primerísimo plano un resto de mierda; toma un primerísimo plano del moco en la nariz de su padre; saca a la luz el vestuario sintético de su madre.

A lo largo de la escenificación, se alternan escenas de Ubú sangriento, iluminadas en verde como imágenes mentales del adolescente, con escenas de la cena tranquila de los padres y amigos. Como en una película danesa del Dogma, vemos la imagen perfecta de los educados franceses reventada por escenas teatrales dantescas. La farsa es completa con el uso simbólico de los materiales domésticos: las armas y los adornos de los reyes no son sino batidoras o lámparas, el dinero es una larga tira de papel de aluminio brillante, que se arruga y desaparece convertida en basura.

UBO ROI by JarryEl trabajo de los actores es impecable, manejan el registro sardónico y se recomponen al instante en admirables ciudadanos, es un trabajo físico tremendamente controlado y ensayado. Donde no están tan fuertes los franceses es en el uso de las voces, son perfectas para acuchillar verbalmente sin levantar el tono, pero son muy débiles en el registro monstruoso de Ubú.

El final es elegante, muy cinematográfico (Donnellan ya se ha estrenado como cineasta), y recoloca al espectador en el ámbito doméstico: el adolescente, saciado con su orgía de violencia y maldad, se sienta a cenar con sus padres y los amigos. La revolución termina sin consecuencias, solo queda basura en el escenario, pero todos están tranquilos compartiendo una amable conversación.

Es un espectáculo impecable en guión y dirección, y en trabajo actoral. Pero es arqueología de la vanguardia, y no tiene la grandeza de los textos originales. Eso sí, a la gente le encanta, no quedan entradas para ver el trabajo de Donnellan.

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EL DUELO DE ANTON CHÉJOV

Los interesados por la literatura rusa debieran verlo, los que alguna vez han trabajado algo relativo a Stalinslavski, y los que aprecien un espectáculo único por la calidad del trabajo, literaria, teatral y estética. Es la escuela del naturalismo, nadie como ellos mantienen vivo a Chejov.

el dueloEL DUELO
De Anton Chéjov (novela, de 1891).
Antón Yakovlev la ha adaptado, dirigido e iluminado.
La “viven” en escena Alexei Agapov, Armen Arushanyan, Anatoli Belly, Victor Kulukhin, Dmitri Kuptsov, Evgeni Miller, Dmitri Nazarov, Natalia Rogozhkina, Valeri Troshin, Olga Vasil’eva.
Escenografia de Nikolai Slobodyanik.
Musica de Alexander Manotskov.
TEATRO DE ARTE DE MOSCÚ (Fundado por Konstantin Stanislavski).
Teatro Valle Inclán CDN Lavapiés, 19 al 22 de septiembre 2013.
 

el duelo 006En una esquina del territorio ruso, un puerto del mar Negro junto a Georgia, los personajes llegan a una situación límite, deben decidir, y no pueden escapar. Y cambian, y el cambio no es predecible, pero sí comprensible, y guarda una gran belleza poética. El duelo entre dos hombres, es también el duelo que cada ser humano entabla entre lo que desea y lo que debe a los demás.

Un hombre está asustado por la perspectiva de compromiso, y quiere escapar (yo me identifiqué con este), otro hombre perfeccionista presume de valentía e integridad, una mujer adultera que ansía sentirse amada, un solterón que a todos escucha…  Son personajes del cine de ahora, pero fueron escritos a finales del XIX, por un autor admirable y precursor de la modernidad. ¡Cómo pudo retratar fielmente a un nazi con tanta antelación! Yakovlev pregona que Chejov no juzga a sus personajes, los expone sin disfraz. Su capacidad de síntesis de la naturaleza humana, y la belleza de las disquisiciones hacen que ver el espectáculo sea natural, no cuesta esfuerzo, los personajes se muestran ante nosotros como un libro abierto, que está vivo.

el duelo 005Cuando Antón Yakovlev presentó el espectáculo, le escuché vanagloriarse de la modernidad del texto y de los personajes, y le pregunté cómo percibiría el espectador esa modernidad, pensando inocentemente que vestirían pantalones vaqueros. Me contestó cariñoso que la autenticidad de la actuación no necesitaba adornos, ellos fabrican la verdad en el teatro del arte, y no lo consideran un circo.

Por supuesto que hay cuarta pared, que visten un maravilloso vestuario decimonónico, que todo es orgánico (una leve amplificación del laud georgiano). El escenario es una pasarela envuelta en maromas de mar colgantes como cortinas, que rodea una playa con la barca volcada que se echará al mar al final. Belleza poética en el escenario y en el sonido, y una gran elegancia en todos los movimientos.

el duelo 004Lo excepcional del Teatro de Arte es que someten su interpretación a una elevadísima exigencia, una gimnasia psicológica y física convertida en trabajo y en dedicación, humilde, sacrificada. Los seres humanos que viven el drama de Chejov ante nosotros muestran un cariño por su trabajo que emociona. El saludo de los actores al público es tan intenso como sus actuaciones.

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HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

El musical de Mecano que se acaba de estrenar es una nueva producción, con jóvenes profesionales del teatro que han hecho un trabajo excelente, es un espectáculo grandioso y divertido, lo puedo recomendar sin ambages, y es infinitamente mejor y más digno que el anterior.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR
HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

Musical sobre canciones de los hermanos Cano. Libreto heredado de David Serrano. Puesta en escena actual de David Ottone (Yllana). Dirección de actores Secun de la Rosa. Director musical Daniel García. Escenografía y animaciones de Ricardo Sánchez Cuenca, Eduardo Suárez, Paco Gramaje, Aitor Oñederra, Javier de Prado, Nutone, Superbien. Iluminación de Carlos Torrijos. Actúan Daniel Diges, Andrea Guasch, Adrián Lastra, Claudia Traisac, Canco Rodríguez, Ana Polvorosa, David Carrillo, Alejandro Vega, Beatriz Ros. Seis músicos en directo. Teatro Coliseum de Madrid, estrenado el 12 de septiembre de 2013.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR CRÍTICA JON SARASTILa importancia económica y cultural de Mecano era y es tan grande que impulsar un musical que aprovechara sus creaciones parecía lógico. El impulso de Nacho Cano se saldó con un tremendo éxito de público, permanente en estos largos diez años de existencia del musical Hoy no me puedo levantar. La fórmula giraba en torno al ánimo del público, conseguir que los seguidores de Mecano se levantaran a bailar y cantar como en un concierto entusiasta. Este concierto entusiasta perdía de vista las claves teatrales que ahora han recuperado: espectáculo, personajes y diversión.

De las letras de Mecano siempre se dijo que eran difícilmente teatralizables (de estilos divergentes, caprichosas, forzadas…), por lo que el libreto que escribió Serrano respondía a los estereotipos de un musical sencillo donde encajasen las canciones. La trama: dos jóvenes roqueros viajan a la gran ciudad, donde encuentran las mieles del triunfo, las penas de la vida cotidiana y el infierno de la heroína; el heroinómano muere en escena, y deja una novia en el pueblo; roquero triunfador se enamora de una chica estupenda, pero la engaña con una productora de discográfica. El argumento es un drama realista, forzado al máximo para encajar la canción Cruz de navajas, y tenía un planteamiento amoroso tremendamente anticuado (y machista). El espectáculo era oscuro, realmente concebido con mentalidades de los años ochenta.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR - CRÍTICA DE JON SARASTIEl espectáculo ahora es moderno, una fiesta para jóvenes de hoy, con un acierto destacado: la escenografía, la iluminación y el cómic (la ilustración en pantallas gigantes). La música, el valor incontestable de Mecano, sirve para recrear vidas mucho más positivas y alegres. La comicidad se dispara con la incorporación de actores de comedia televisiva, y también con una ironía general hacia todo que es muy de agradecer. Aquella doble trama del chico-éxito y el fracasado deja de ser tan moralista y se hace más actual.

El drogadicto perdido en su habitación es una creación de cómic escénico sobrecogedora, la mejor escena del musical. Maquillaje (con esa broma tan directa a los inicios de cantautor de Jose María) una canción tan sencilla se convierte, bien coreografiada por Naomí Cabrera, en un show en sí mismo. Y quiero destacar también otro capítulo del espectáculo: el fallo positivo, un tema revolucionario en el mundo del pop, que aquí esta muy bien compuesto por Chevy Muraday. Debo elogiar al coreógrafo residente, Federico Barrios, del que destaco la brillantez de Un año más.

José María Cano saluda en el escenario el estreno del nuevo espectáculo

José María Cano saluda en el escenario el estreno del nuevo espectáculo

Yo disfruté con los cantantes. Daniel Diges tiene una fuerza vocal impresionante, aunque es un tanto irregular en la interpretación (el día que yo lo vi tuvo problemas de sonido), una pena teniendo tales condiciones físicas. El que se sale de intenso es Adrián Lastra, Colate el yonqui también en el anterior reparto, del que echo en falta que le inventen vena poética, composición y no solo dislate. La chica, Andrea Guasch, es deliciosa cantando y sobretodo fiable (está en la canción, en la nota), pero tienen que arreglar su tema Lía, uno de los momentos más flojos del musical, por la parte de dirección e interpretación (me atrevería a proponer que llueva, la lluvia puede ser muy triste, y que vistan a Andrea para la ocasión, a mí me gusta el vestuario).

En la parte menos dramática, me encantó Alejandro Vega el manager andaluz, pero los que se llevan la palma son los incorporados de la serie Aída, Ana Polvorosa (admirable reciclaje) y Canco Rodríguez, entre los dos un verdadero subidón cómico muy bien trazado.

Como tengo que criticar, critico la mitad de la primera parte, sigue sin brillar como debiera el tema de las Mujeres que se aman, y cae sin interés el tema Lía. A pesar de ello, reitero mi recomendación a todo el público adulto: es un espectaculazo, un musical de talla internacional y producción nacional (ahora mismo el único).

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AHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES

Una experiencia teatral de excepción, el simbolismo de El Pelícano en una actuación a un metro de distancia, con estupenda dirección y admirables actores. Yo creo que hay que verlo, solo 26 butacas en cada sesión, van tres temporadas desde febrero, y que sigan.

Ahora empiezan las vacacionesAHORA EMPIEZAN LAS VACACIONES

Versión española de Paco Becerra de El Pelícano de August Strindberg.
Con Lola Casamayor, Juan Codina, Raquel Pérez y Raúl Tejón.
Dirección de Luís Luque.
Teatro Portátil para La Casa de la Portera. Los lunes, 20 y 22 h.
 
 

ahora empiezan las vacaciones. Crítica Jon SarastStrindberg desnuda el alma humana y lo lleva al extremo. Fue un autor atormentado desde la infancia, a caballo entre el naturalismo romántico y el simbolismo, demostraba en sus dramas “la imposibilidad de vivir al margen de la violencia, es inevitable oponer culpa contra culpa. Las apariencias humanas se transforman en fantasmas, los remordimientos rompen los deseos, el pensamiento pesa como el plomo y obliga a los personajes a adoptar sacrificios humanos.” (Vito Pandolfi)

El Pelícano cuenta los días finales de una familia con una madre castradora, tiránica que menosprecia y utiliza a sus hijos, lleva a la muerte al marido y se lía con el yerno. Pero aunque curiosamente la criminal es el motor del drama, son las víctimas, los hijos, los que revientan el argumento y convierten el drama en tragedia. La fuerza simbólica es tal que cada espectador encuentra ecos de su propios dramas socio-personales. Yo, concretamente, vi reflejado todo el panorama económico criminal que vivimos en España en estos tiempos.

Ahora empiezan las vacaciones. La casa de la porteraLo curioso del espectáculo es la atmósfera tan excitante que se crea en el salón de la Casa de la Portera, creo que no habrá muchos espectáculos tan adecuados al especialísimo teatro. Y no deja de emocionarme la actuación tan íntegra, tan densa, de los actores, absolutamente concentrados en su verdad. Sin desmerecer a Raúl Tejón, tan intenso, o Juan Codina, poético suspiro, tengo que rendirme al trabajo de Raquel Pérez, que encarna de una manera magnética la indicación del autor sueco (su mirada cargada de dolor), y sobretodo a la talla de gran actriz de Lola Casamayor. Lejos de apenarnos porque no llenen un escenario grande, nos alegra verlos tan cerca. Dotan a un espacio mínimo de la máxima dignidad.  

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UNA BODA FELIZ

Con actores televisivos y con actores de oficio, una magnífica comedia que nos divierte a todos. Y una excepcional interpretación cómica de Agustín Jiménez, se quedará como personaje icónico, es el moderno Sancho Panza.

Una Boda Feliz

Una Boda Feliz

UNA BODA FELIZ

De Gerard Bitton y Michel Muñiz (texto finalista Premio Moliére mejor comedia).
Versión actualizada de Juan Solo.
Actúan Agustín Jiménez, Francesc Albiol, Juan Solo, Celine Tyll y Antonio Molero.
Dirige Gabriel Olivares.
Producción de Nearco y Angel Galán.
Teatro Marquina, desde septiembre de 2013.
 

Una boda felizLa historia es sencilla y la sabemos antes de empezar: para cobrar una herencia, Molero tiene que casarse, y como tiene sus parejas femeninas muy rotas, es preferible un buen amigo para convivir el tiempo necesario, bajo la vigilancia de un notario. Quien hace la componenda es el tercero del grupo de amigos, abogado. Además está el padre del novio, el verdadero transformado en la comedia. Y por último, la chica, la última amiguita del novio, que remata el enredo y precipita el desenlace.

Es una comedia divertida y de corte clásico (al inevitable tresillo le han dado la vuelta y lo sustituye un escalón), una comedia de situación con gags muy españolizados. Ahí se aprecia la virtud de la versión, que permite a todos los espectadores (hombres y mujeres) reírse a carcajadas durante toda la comedia.

boda felizToda la primera parte es simpática y divertida, lineal en la trama, y de composición sencilla: todo gira en torno al personaje del “incauto” Jiménez, su ingenuidad a medias, su tierna adaptación, sus anhelos artísticos. Es la comedia brillante. La segunda parte comienza cuando se reparten los protagonismos entre el padre, la novia, y el abogado. Además de complicarse la trama, la escenificación entra en una vorágine creciente de efectos teatrales que buscan mantener la atención, pero abruman con la hiperactividad y, mucho cuidado, con el grito. El grito, tan querido por los malos comediantes españoles, es un riesgo que esta exitosa producción debiera evitar.

Supongo que es difícil mantenerse dentro de la convención en una comedia tan fácil, pero esas salidas de cuadro, con saludos directos al auditorio, o el juego que todos hacen con la puerta, si no se hacen con naturalidad son torpes. Aquí también, Jiménez lo encaja bien dentro del personaje, Albiol acaba su actuación estelar con un divertido juego, y el abogado debe tener cuidado con los excesos.

Después de una gira “por provincias”, Agustín Jiménez tiene el espectáculo muy pillado, su personaje es el motor y la clave cómica, y él contribuye con una composición verdaderamente excepcional. Es muy de agradecer su barriguita, sus pelos, su bondad. Antonio Molero aún está un poco perdido, y corresponde a la dirección dirigirlo, hasta que llegue a ser el Quijote que su sancho panza necesita. Todos los intérpretes están estupendos, Tyll es realmente encantadora, Albiol se contiene a duras penas, y Sólo hace un buen trabajo de equipo atendiendo a sus amigos.

boda francesa

Imagen de la escenificación francesa, donde solo cambia el licor.

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VENIDOS A MENOS

Un espectáculo reducido a la esencia, dos actores de musical cantan, ríen, insultan, no se desnudan, pero te hacen pasar un buen rato de risa continua. Un estupendo cabaret de garaje. Canciones imposibles y muy divertidas.

venidos a menosVENIDOS A MENOS

De David Ordinas y Pablo Puyol.
Guitarra, voces, cajón y percusiones.
Teatro Alfil de la calle Pez, los viernes por la noche.
 

venidos2Hay que tener valor, y las ideas claras, para quedarse con la esencia: letra y música. No hay sonidos pregrabados (salvo alguna voz), no hay elementos escenograficos, las camisetas que visten las venden, los cambios de luz y de vestuario son apenas nada… La gracia está en las palabras incorrectísimas, y en que hablan de sí mismos.

Lo curioso de esta pareja, es que estuvieron actuando juntos en la Gran Via, en el musical La Bella y la Bestia, y en el musical ¡el bello era Puyol, y la bestia Ordinas! Allí debió de surgir la idea de este cabaret, en el que hablan de sexo, trabajos actorales, religión, y sexo una vez más, pero con unos cuantos años más.

venidos a menosPablo Puyol, un guapo de series televisivas, es tildado de gay, pero no lo es. Sigue siendo un conquistador, agotado, envejecido, y experimentado. El otro es David Ordinas, un músico de talla, que representa al fracasado y timorato en el sexo. El dúo funciona bien. Son conversaciones alocadas de dos hombres jóvenes, acostumbrados a tener público femenino, llevadas a canciones originales, bien armonizadas y perfectamente cantadas por los dos.

En una crítica hay que volcar algo que se echa en falta, y yo, lejos de añorar grandilocuencias o pretensiones que ellos descartan, sí añadiría un poco de hondura de guión en la sátira de uno mismo: son dos actores, rodeados de artistas, que pierden de vista la vida normal, cotidiana. Falta quizá fineza con las mujeres gordas y hacer únicamente escatología masculina, más apropiada. Pero nada de esto me quitó la sonrisa.

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