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Es una comedia, es muy sencilla, está llena de poesía visual, y tiene un fondo filosófico magnífico para una tarde de debate después de ir al teatro. Muy recomendable para inquietas de espíritu y sus novios, que se reirán mucho. Un trabajo digno, admirable, el contrapunto de lo que vi al día siguiente (léase Tirano Banderas).

escriba-aqui-su-nombreESCRIBA SU NOMBRE AQUÍ  
De Cuartoymitad teatro.
El guión y la dirección son de María Prado y Fernando de Retes.
Actúan María Prado, Fernando de Retes, Pablo Huetos, Rebeca Matellán y Fátima Sayyad.
Actúan ahora en la Sala Triángulo de Lavapiés, C/ Zurita.
 

Escriba su nombre aquíComo en una pesadilla, un funcionario atravesado nos complica la vida con absurdos requisitos solo para pobres. Como en un juego de niños, la competencia por el territorio (y la propiedad privada) nos demuestra que somos todos ruínes y ciegos. Como en una película surrealista nuestros padres han escogido en una ventanilla el signo, el nombre, las taras psicológicas y hasta la edad de nuestra muerte.

Todo esto ocurre con mucha gracia en un espacio vacío, con cuatro cajas de madera. Los planteamientos no son gratuitos, y convergen en una delirante escena final de batalla por la personalidad. Solo le falta un par de canciones bien cantadas mientras enterramos un perro o amamantamos un muñeco.

Escriba su nombre aquíEl espectáculo tiene algo de Principito (de Saint-Exupéry) y algo de teatro expresionista, pero el espectador lo vive con alegría. Los cinco actores se entregan al juego limpiamente, y a mí personalmente me encantó el trabajo físico. La coreógrafa se llama Rebeca Matellán, era supongo la actriz que componía unas imágenes realmente bellas en suelo. La gestualidad de un espectáculo surrealista puede ser mucho más hilarante, teatral sin complejos, y de movimiento coreografiado. Apuntan en esa dirección.

Mi más cordial enhorabuena, y la recomendación para quien quiera pasar un buen rato sin zozobras. Salí del teatro cargado de humanidad. Para zozobras, las del teatro oficial (además de público).

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POR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER

Es una delicia de espectáculo musical compuesto con detalle historicista como una revista de los años 20, telones pintados, vestuario bonito, música en directo y canciones interpretadas con gusto exquisito. Me lo recomendaron y tenían razón.

porlosojosderaquelmellerPOR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER

Escrito, diseñado y dirigido por Hugo Pérez.
Directora de la producción Katarina de Azcárate, para el productor Juanjo Seoane.
Decorados de Kira Oriola.
Sastras Asunción Gil y Teresa Callejo.
Pintoras Matilde Juárez, Angela Gómez, Clara Martínez.
En el papel de Raquel: Nené Pérez Muñoz, Amanda Puig y Maribel Per.
Dramática: Carmen Rodríguez de la Pica; Cómica: Rocío Osuna; Carácter: Chelo Vivares; Vedettes: Belén Gonzalez y Badia Albayati; Tenor dramático: Pablo Rossi; Galán cómico Iván Oriola.
Director musical Mikhail Studyonov. Orquestina de piano, vientos, metales y cuerdas (uno de cada).
Teatro Reina Victoria (Carrera de San Jerónimo), hasta final de noviembre 2013.

 

Por los ojos de Raquel MellerRaquel Meller, nombre artístico de Francisca Marqués, fue una cupletista tonadillera de los años 20 que se hizo famosa en los teatros de París, Barcelona, Madrid y América, e incluso intervino en películas mudas de Hollywood. Hizo famosas canciones como La violetera o El relicario, y vivió como diva hasta el final de la guerra civil. Por los ojos de Raquel Meller es una biografía musical y un homenaje al teatro de varietés de principios del siglo XX, un recorrido por más de veinte canciones excelentemente orquestadas e interpretadas.

Es un espectáculo de revista, números musicales intercalados por pequeños parlamentos costumbristas. El guión recorre los momentos más relevantes de la vida de la artista, desde que era modista aragonesa en el Paralelo de Barcelona, y vibraba de emoción entregando entre cajas un vestido de lentejuelas a la vedette, hasta las películas, las condecoraciones, quedarse viuda, volverse a casar o los hijos adoptados en América. Su hermana la acompañó en el canto, hasta llegar a protagonizar un musical de Cole Porter. Las imitadoras surgieron por todas partes, y ella que había copiado sin rubor, les aconsejaba autenticidad.

raquelmeller3Todo en el espectáculo está medido y cuidado con el sabor del modernismo mediterráneo: el vestuario (cuarenta cambios y una factura impecable); los telones (enorme ejercicio de archivo y enorme esfuerzo de pintoras y maquinistas); la iluminación (¡debe ser aún más precisa!); el maquillaje; el sonido respetuoso del canto natural (el público anciano echa de menos más volumen). El público se traslada directamente al Teatro Arnau o al Teatro Maravillas en época de la Semana Trágica, la Guerra de Marruecos y Primo de Rivera.

Hay una historia preciosa detrás de esta producción: la de la sala de teatro Tribueñe. Hugo Pérez el joven creador y director, abrigado por un entorno artístico muy femenino, una directora de escena rusa (Irina Kouberskaya) y su familia, han generado un centro de producción peculiar, con títulos muy llamativos (¡estrenan Lorca, y Chejov!, además de los autos sacramentales que diseña Hugo Pérez), y que ellos llaman Teatro de Calidad.

Después de seis años representando Raquel Meller en la sala Tribueñe, la producciónPor los ojos de Raquel Meller alcanza el teatro comercial. Una producción elegante, respetuosa, sin chabacanadas, historicista de una época tan brillante y tan española. Aplaudo la iniciativa y el riesgo de Juanjo Seoane. ¡Esta es una gran producción que debiera estar en el Español! ¿Sería Hugo Pérez un estupendo director de teatro público, bastante mejor que los sufrimos habitualmente? Al menos él ha hecho lo que veníamos echando de menos tantos años.

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TOC TOC

5º año consecutivo en la cartelera madrileña, 500.000 espectadores, 1200 funciones. Son datos espectaculares, no la podía dejar de ver, fui. El teatro lleno, cola para entrar, público de todas las edades y tipologías, una amplia platea y un escenario abierto (¿pudo haber sido un teatro de revista?), un buen programa de mano, la función va a comenzar.

Toc Toc Crítica Jon Sarasti TOC TOC
De Laurent Baffie, en versión española de Julián Quintanilla.
Actúan Esteve Ferrer, Inge Martín, Sara Moros, Ana Frau, Africa Gozalbes, Miguel Foronda y Fran Sariego.
Escenografía de Ana Garay.
Iluminación de Juanjo Llorens.
Dirige Esteve Ferrer.
Teatro Príncipe Gran Vía, temporada 2013-14.
 

En la consulta van apareciendo los pacientes, todos aquejados de una patología maniática sencilla, que les permite vivir pero complica la vida a los que viven con ellos. Son personajes cómicos muy tiernos y sencillos, todos ellos ridículos, que sufren con su manía, por lo que al espectador no le resulta gravoso reírse de ellos, no hay conflicto en la risa. Ellos mismos se ríen unos de otros, y de sí mismos.

TOC-TOC Crítica de Jon SarastiLa virtud del texto está en no contraponer ningún “sano” a los maniáticos enfermizos. Entre los enfermos arman la terapia, y es una terapia esforzada, incluso angustiada, pero siempre malograda. Pobrecitos ellos, el agresivo ambiente urbano no permite la relajación mental, tendrán que convivir con su manía y relacionarse con ella. Salvo un golpe de efecto final, bastante tontorrón, la comedia es lineal, sin conflicto. El único conflicto, la curación imposible de la manía, suscita una interminable sucesión de pruebas, ensayos y fracasos, que se sustentan en la clave cómica inicial, no evolucionan. Así que la comedia, si te hace feliz desde el principio, feliz acabas. Como no sea así, sufrirás el interminable ensayo de los maniáticos compulsivos.

Esteve Ferrer se ha hecho cargo de este título desde el principio, ha dirigido la producción en Barcelona, y desde hace un año al menos, protagoniza la comedia desde el personaje del taxista computador. Y dirige como un domador de circo, no digo que lo haga mal, solo que mantiene a todas las fieras enjauladas, mientras él ruge de manera desaforada. A mí me molesta el grito, y en esta producción han engrosado el trazo cómico hasta perder toda sutileza. ¿Se han adaptado a lo que pedía el público? Si, han brindado a un público poco exigente la comedia comprensible que demandaba. Ahí están los resultados de taquilla.

Todos los intérpretes son estupendos profesionales, y como tales repiten el producto midiendo los esfuerzos. El personaje de Miguel Foronda machaca a las señoras (posiblemente respondiendo a exigencias del público), se agradece la edad de los actores Foronda y Ana Frau (un personaje muy bonito), y los tres más jóvenes tienen el encanto dosificado por escenas. El espacio de Ana Garay es muy efectivo y resuelve el complicado escenario, tan ancho, del Teatro Príncipe. Pero tanta ampulosidad no se ve aprovechada con la pequeñez de los personajes, al contrario, los maniáticos se reparten el espacio como celdas (o jaulas de zoológico). A mí me resultó tremendamente plana en todos los sentidos, pero como ya he dicho, al público le gusta.

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UBU ROI

Declan Donnellan, un afamado el director, prestigioso por escenificar Shakespeare a la antigua,  presenta una versión de Macbeth que tiene 100 años: UbuRey, obra precursora del teatro absurdo. Esta producción lleva un año de éxito en Francia, pero se hace pesada la añoranza del original, así como una versión versionada algo floja, aunque el trabajo no deja de estar bien hecho.

UBO ROI by Jarry-DonnellanUbú Rey de Alfred Jarry

Dirección Declan Donnellan (Cheeck by Jowl)
Escenografia Nick Ormerod
Actúan Xavier Boiffier, Vincent de Bouard, Camille Cayol, Christophe Grégoire, Cécile Leterme, Sylvain Levitte.
Producción del Centro Dramático Nord-Pas de Calais.
Una mirada al mundo, Festival internacional del CDN, María Guerrero 26 al 29 de septiembre 2013.
 

Cuando Jarry vivía UBO ROI by Jarryla vanguardia parisina de finales del XIX, utilizó un escrito farsesco de escuela para crear la serie Ubú, textos irreverentes, surrealistas, basados en Macbeth y en Ricardo III de Shakespeare. En ellos se establecía una equivalencia entre el profesor y el héroe del mal, dejando al profesor como un monstruo pretencioso que oculta pasiones inconfesables: comida, bebida, sexo, dinero, poder, junto a una patética cobardía y una arbitrariedad que solo ejerce sobre los más débiles.

Ubú habla mal, y dice “mierda” de manera incorrecta (lo tradujeron “mierdra”, pudiera decir “merda”, “mierde”, “kaka”), es un zafio pretencioso y con poder. Ubú Rey se ha utilizado en infinidad de escenificaciones de todo tipo para subir a escena el teatro gore, para satirizar a los sátrapas del sistema político (Boadella y todas sus versiones de Ubú President), para hacer música punk, etc.

Donnellan vuelve al origen mismo del texto, al jovencito escolar que escribe una farsa afilada sobre toda simulación burguesa: una familia francesa cena con amigos, mientras tanto, tumbado en el sofá, el adolescente rebelde juega con la cámara de video a imaginar cómo sus padres podrían devorar al amigo, violarlo y robarle la cartera; así, el adolescente tendría la ocasión de entrar en la batalla para matar con placer a su padre el sucio, para ver a su madre enloquecida y para vengarse de todos los que le molestan.

En el escenario vemos laUBO ROI by Jarry recreación de la casa burguesa (acomodada, de buena posición), los preparativos de la cena (el padre cocina, la madre se maquilla y adorna la mesa). El adolescente, cámara en mano, se mete en el retrete y nos enseña en primerísimo plano un resto de mierda; toma un primerísimo plano del moco en la nariz de su padre; saca a la luz el vestuario sintético de su madre.

A lo largo de la escenificación, se alternan escenas de Ubú sangriento, iluminadas en verde como imágenes mentales del adolescente, con escenas de la cena tranquila de los padres y amigos. Como en una película danesa del Dogma, vemos la imagen perfecta de los educados franceses reventada por escenas teatrales dantescas. La farsa es completa con el uso simbólico de los materiales domésticos: las armas y los adornos de los reyes no son sino batidoras o lámparas, el dinero es una larga tira de papel de aluminio brillante, que se arruga y desaparece convertida en basura.

UBO ROI by JarryEl trabajo de los actores es impecable, manejan el registro sardónico y se recomponen al instante en admirables ciudadanos, es un trabajo físico tremendamente controlado y ensayado. Donde no están tan fuertes los franceses es en el uso de las voces, son perfectas para acuchillar verbalmente sin levantar el tono, pero son muy débiles en el registro monstruoso de Ubú.

El final es elegante, muy cinematográfico (Donnellan ya se ha estrenado como cineasta), y recoloca al espectador en el ámbito doméstico: el adolescente, saciado con su orgía de violencia y maldad, se sienta a cenar con sus padres y los amigos. La revolución termina sin consecuencias, solo queda basura en el escenario, pero todos están tranquilos compartiendo una amable conversación.

Es un espectáculo impecable en guión y dirección, y en trabajo actoral. Pero es arqueología de la vanguardia, y no tiene la grandeza de los textos originales. Eso sí, a la gente le encanta, no quedan entradas para ver el trabajo de Donnellan.

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EL DUELO DE ANTON CHÉJOV

Los interesados por la literatura rusa debieran verlo, los que alguna vez han trabajado algo relativo a Stalinslavski, y los que aprecien un espectáculo único por la calidad del trabajo, literaria, teatral y estética. Es la escuela del naturalismo, nadie como ellos mantienen vivo a Chejov.

el dueloEL DUELO
De Anton Chéjov (novela, de 1891).
Antón Yakovlev la ha adaptado, dirigido e iluminado.
La “viven” en escena Alexei Agapov, Armen Arushanyan, Anatoli Belly, Victor Kulukhin, Dmitri Kuptsov, Evgeni Miller, Dmitri Nazarov, Natalia Rogozhkina, Valeri Troshin, Olga Vasil’eva.
Escenografia de Nikolai Slobodyanik.
Musica de Alexander Manotskov.
TEATRO DE ARTE DE MOSCÚ (Fundado por Konstantin Stanislavski).
Teatro Valle Inclán CDN Lavapiés, 19 al 22 de septiembre 2013.
 

el duelo 006En una esquina del territorio ruso, un puerto del mar Negro junto a Georgia, los personajes llegan a una situación límite, deben decidir, y no pueden escapar. Y cambian, y el cambio no es predecible, pero sí comprensible, y guarda una gran belleza poética. El duelo entre dos hombres, es también el duelo que cada ser humano entabla entre lo que desea y lo que debe a los demás.

Un hombre está asustado por la perspectiva de compromiso, y quiere escapar (yo me identifiqué con este), otro hombre perfeccionista presume de valentía e integridad, una mujer adultera que ansía sentirse amada, un solterón que a todos escucha…  Son personajes del cine de ahora, pero fueron escritos a finales del XIX, por un autor admirable y precursor de la modernidad. ¡Cómo pudo retratar fielmente a un nazi con tanta antelación! Yakovlev pregona que Chejov no juzga a sus personajes, los expone sin disfraz. Su capacidad de síntesis de la naturaleza humana, y la belleza de las disquisiciones hacen que ver el espectáculo sea natural, no cuesta esfuerzo, los personajes se muestran ante nosotros como un libro abierto, que está vivo.

el duelo 005Cuando Antón Yakovlev presentó el espectáculo, le escuché vanagloriarse de la modernidad del texto y de los personajes, y le pregunté cómo percibiría el espectador esa modernidad, pensando inocentemente que vestirían pantalones vaqueros. Me contestó cariñoso que la autenticidad de la actuación no necesitaba adornos, ellos fabrican la verdad en el teatro del arte, y no lo consideran un circo.

Por supuesto que hay cuarta pared, que visten un maravilloso vestuario decimonónico, que todo es orgánico (una leve amplificación del laud georgiano). El escenario es una pasarela envuelta en maromas de mar colgantes como cortinas, que rodea una playa con la barca volcada que se echará al mar al final. Belleza poética en el escenario y en el sonido, y una gran elegancia en todos los movimientos.

el duelo 004Lo excepcional del Teatro de Arte es que someten su interpretación a una elevadísima exigencia, una gimnasia psicológica y física convertida en trabajo y en dedicación, humilde, sacrificada. Los seres humanos que viven el drama de Chejov ante nosotros muestran un cariño por su trabajo que emociona. El saludo de los actores al público es tan intenso como sus actuaciones.

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HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

El musical de Mecano que se acaba de estrenar es una nueva producción, con jóvenes profesionales del teatro que han hecho un trabajo excelente, es un espectáculo grandioso y divertido, lo puedo recomendar sin ambages, y es infinitamente mejor y más digno que el anterior.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR
HOY NO ME PUEDO LEVANTAR

Musical sobre canciones de los hermanos Cano. Libreto heredado de David Serrano. Puesta en escena actual de David Ottone (Yllana). Dirección de actores Secun de la Rosa. Director musical Daniel García. Escenografía y animaciones de Ricardo Sánchez Cuenca, Eduardo Suárez, Paco Gramaje, Aitor Oñederra, Javier de Prado, Nutone, Superbien. Iluminación de Carlos Torrijos. Actúan Daniel Diges, Andrea Guasch, Adrián Lastra, Claudia Traisac, Canco Rodríguez, Ana Polvorosa, David Carrillo, Alejandro Vega, Beatriz Ros. Seis músicos en directo. Teatro Coliseum de Madrid, estrenado el 12 de septiembre de 2013.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR CRÍTICA JON SARASTILa importancia económica y cultural de Mecano era y es tan grande que impulsar un musical que aprovechara sus creaciones parecía lógico. El impulso de Nacho Cano se saldó con un tremendo éxito de público, permanente en estos largos diez años de existencia del musical Hoy no me puedo levantar. La fórmula giraba en torno al ánimo del público, conseguir que los seguidores de Mecano se levantaran a bailar y cantar como en un concierto entusiasta. Este concierto entusiasta perdía de vista las claves teatrales que ahora han recuperado: espectáculo, personajes y diversión.

De las letras de Mecano siempre se dijo que eran difícilmente teatralizables (de estilos divergentes, caprichosas, forzadas…), por lo que el libreto que escribió Serrano respondía a los estereotipos de un musical sencillo donde encajasen las canciones. La trama: dos jóvenes roqueros viajan a la gran ciudad, donde encuentran las mieles del triunfo, las penas de la vida cotidiana y el infierno de la heroína; el heroinómano muere en escena, y deja una novia en el pueblo; roquero triunfador se enamora de una chica estupenda, pero la engaña con una productora de discográfica. El argumento es un drama realista, forzado al máximo para encajar la canción Cruz de navajas, y tenía un planteamiento amoroso tremendamente anticuado (y machista). El espectáculo era oscuro, realmente concebido con mentalidades de los años ochenta.

hOY NO ME PUEDO LEVANTAR - CRÍTICA DE JON SARASTIEl espectáculo ahora es moderno, una fiesta para jóvenes de hoy, con un acierto destacado: la escenografía, la iluminación y el cómic (la ilustración en pantallas gigantes). La música, el valor incontestable de Mecano, sirve para recrear vidas mucho más positivas y alegres. La comicidad se dispara con la incorporación de actores de comedia televisiva, y también con una ironía general hacia todo que es muy de agradecer. Aquella doble trama del chico-éxito y el fracasado deja de ser tan moralista y se hace más actual.

El drogadicto perdido en su habitación es una creación de cómic escénico sobrecogedora, la mejor escena del musical. Maquillaje (con esa broma tan directa a los inicios de cantautor de Jose María) una canción tan sencilla se convierte, bien coreografiada por Naomí Cabrera, en un show en sí mismo. Y quiero destacar también otro capítulo del espectáculo: el fallo positivo, un tema revolucionario en el mundo del pop, que aquí esta muy bien compuesto por Chevy Muraday. Debo elogiar al coreógrafo residente, Federico Barrios, del que destaco la brillantez de Un año más.

José María Cano saluda en el escenario el estreno del nuevo espectáculo

José María Cano saluda en el escenario el estreno del nuevo espectáculo

Yo disfruté con los cantantes. Daniel Diges tiene una fuerza vocal impresionante, aunque es un tanto irregular en la interpretación (el día que yo lo vi tuvo problemas de sonido), una pena teniendo tales condiciones físicas. El que se sale de intenso es Adrián Lastra, Colate el yonqui también en el anterior reparto, del que echo en falta que le inventen vena poética, composición y no solo dislate. La chica, Andrea Guasch, es deliciosa cantando y sobretodo fiable (está en la canción, en la nota), pero tienen que arreglar su tema Lía, uno de los momentos más flojos del musical, por la parte de dirección e interpretación (me atrevería a proponer que llueva, la lluvia puede ser muy triste, y que vistan a Andrea para la ocasión, a mí me gusta el vestuario).

En la parte menos dramática, me encantó Alejandro Vega el manager andaluz, pero los que se llevan la palma son los incorporados de la serie Aída, Ana Polvorosa (admirable reciclaje) y Canco Rodríguez, entre los dos un verdadero subidón cómico muy bien trazado.

Como tengo que criticar, critico la mitad de la primera parte, sigue sin brillar como debiera el tema de las Mujeres que se aman, y cae sin interés el tema Lía. A pesar de ello, reitero mi recomendación a todo el público adulto: es un espectaculazo, un musical de talla internacional y producción nacional (ahora mismo el único).

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