SMOKING ROOM, un guión de cine mejorado por los actores.

Guión compartido de Julio Walovitz y Roger Gual. Espectáculo de Roger Gual. Interpretado por Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Soto, Edu Soto.

El Pavón Teatro Kamikaze, del 16 de octubre al 19 de noviembre de 2017.

Smoking- calidad web-8409©Geraldine Leloutre_previewUn espectáculo muy sencillo en apariencia, donde un robo de mucho dinero en la empresa se encubre con la reivindicación laboral de un cuarto para fumar. Los seis personajes son hombres, muy reales y habituales, cotidianos, arquetipos del trabajador urbano. Lo curioso es que los definen mucho mejor los actores, verosímiles, domésticos, que el propio guionista. Es un espectáculo genial para entender a los hombres de ahora, y el resultado es descorazonador. Se lo recomiendo a todos los que trabajan en oficinas, es emocionante reconocer a nuestros compañeros.

Cobardes son todos, unos más ingenuos que otros, sinceros ninguno. Todos los actores trabajan bien, pero se llevan la palma Edu Soto, Secun de la Rosa y Manuel Morón, en buena medida porque sus personajes están mejor apuntados, más definidos. Es quizás el riesgo de pasar del cine al teatro, de esa imagen impuesta al espectador donde le vemos los poros al personaje, a un escenario donde la verdad nos tiene que llegar con las palabras, y la emoción necesita su tiempo, su proceso casi musical, poético, para llegar a las entrañas del espectador.

Smoking- calidad web-8282©Geraldine Leloutre_previewSi el personaje no habla demasiado, no hay carne en el asador y con eso tiene que lidiar el actor. Además, en el teatro no hay engaño, no hay cambios de plano, si el personaje aparenta poderío físico (y el actor no mide 2 metros), el autor tendrá que dotarle de algún argumento mejor para imponerse. En cualquier caso, me encantó el buen trabajo de todos los actores.

El resultado descorazonador, la evidente miseria humana que nos envuelve, hubiera necesitado en el teatro más fuerza en el guión, un “punch” final más poderoso o más alargado, una resolución patética del perdedor, que acercase este Smooking Room al realismo norteamericano de Arthur Miller o David Mamet.

Bravo por los actores, id a verlo.

 

 

 

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PICASSO-LAUTREC exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Un gran creador le sigue al otro, le imita, le reproduce, y es divertido. Esta es una estupenda exposición temporal del Museo Nacional Thyssen, especialmente bella para los admiradores de las vanguardias artísticas finiseculares (XIX-XX), un tiempo intenso para el teatro.

img542Es conocida la costumbre de Pablo Picasso de apropiarse del estilo y los temas de los pintores a los que admiraba. Es tanta la producción del pintor malagueño que un museo como el Thyssen puede permitirse una comparativa de altura con el gran dibujante del teatro Toulousse Lautrec. Disfrutar las creaciones del genio francés, y a su lado las que Picasso pintó diez o quince años después, es brillante y como he dicho, divertido. El cartel de El Avaro, las composiciones de espacios urbanos, las escenas teatrales y circenses… en todo hay un precedente Tolousse Lautrec y una exploración Picasso.

IMG_3752La cantante melancólica Ivette Gilbert, el actor rojo Aristide Bruant, o los artistas de circo, han desbordado su identidad y su época, se han convertido en iconos de la representación gráfica, del modo en el que dibujamos la escena y los interpretes. A mí me resultan especialmente gratos los apuntes de personajes anónimos del teatro como la sastra que espera detrás del telón, la cigarrera que vende de mesa en mesa, o el joven artista imbuido de creatividad, ebrio al primer sorbo.

Me llama la atención la realidad física de uno y otro creador, muy presentes en la exposición, y su relación con el erotismo. Uno es el feo, el otro es bello, uno deforme  y escondido, el otro un hedonista don Juan. A la manera de Marlowe el primero, y de orgulloso Shakespeare el que le sigue. En fin, una delicia. Estará en Madrid hasta el 18 de enero de 2018.

 

 

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BILLY ELLIOT el musical Teatro Nuevo Alcalá Madrid

Es el mejor musical que he visto en Madrid, es un espectáculo completo, me ha emocionado y me ha hecho reír. Todos los que aún tenemos alegría en el corazón vamos a ir a verlo sin excusas. Es una gran noticia que esté aquí y que sea tan bueno.

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Después de la arrebatadora película que hizo Stephen Daldry en 2000, este director se reunió con Elton John y produjeron juntos el musical en 2005. Ha sido estrenado en todas las grandes ciudades anglosajonas y por primera vez se monta una producción en España. Han creado ex-profeso una escuela de bailarinas y bailarines que cantan e interpretan, excelentemente, escuela abierta mientras permanezca el musical, y esperemos que sea varios años. Esta es una gran producción, no envidia a las otras y no pierde con respecto a la película, todo lo contrario, gana con la música original de Elton John, ejecutada y cantada en directo, una de las mejores cualidades del espectáculo.

Billy Elliot

La historia de los mineros que pierden el trabajo y sus comunidades que se hunden en la miseria es tremendamente actual y muy fácil de entender hasta por niños. Esa comunidad obrera es solidaria y fraternal, pero también aplasta a los diferentes, a los que aspiran a gustos burgueses que los humildes no aprecian. Que un niño de familia humilde quiera ser bailarín, nada menos, o músico, o arquitecto, está fuera del alcance ideológico de una sociedad fragmentada, de una convivencia rota por el clasismo económico. La fábula de nuestro espectáculo es divertida: el profesor de boxeo es malo, y la profesora de danza muy buena, aunque esté en un pueblucho minero. Ella transmite pasión, y la pasión se contagia. La gracia está en que el apasionado es un niño, no afeminado, que quiere volar. El espectáculo está servido, y os aseguro que me emocionó.

Janet-Dickinson-Mrs.-Wilkinson-Drew-Minard-Billy-Samantha-Blaire-Cutler-Debbie-and-the-cast-of-“Billy-Elliot-the-Musical.”-Photo-by-Amy-BoyleLo más destacable es el trabajo que han hecho con los niños y las niñas, hacen unas interpretaciones excelentes en todo punto, muy impresionantes. Las interpretaciones de Mamen García como abuela y de Natalia Millán como maestra de danza son magníficas, merecedoras de premios sin duda. Buenos también los trabajos de Juan Carlos Martín (profe de boxeo) y de Alberto Velasco (el ayudante gordito). Algo más gris resulta Carlos Hipólito como padre, eclipsado por un fallido y sobreactuado Adrián Lastra como hijo mayor. En el índice de fallos está el elenco de mineros y polis, poco convencidos y poco convincentes, debieran dejar ya la pose de bailarines y encarnar el papel que les toca (unos cuantos días en la mina son una experiencia edificante).1. Liam Mower (Billy Elliot) and police, by David Scheinmann (2005)

La escenografía es de categoría internacional y poco se ha visto en Madrid ese calibre de montaje. Tengo que aplaudir especialmente el número de los cabezudos londinenses (la cuestión de los derechos ha obligado a inventar esa delicia de escena), un momento divertido y brillante. Sería bueno que los niños que viven esa fantasía la gritasen más, la riesen más. Y por último, aunque imagino una tarea de titanes coordinar la iluminación de un espectáculo tan complejo, creo que falla la iluminación, tanto en las peleas callejeras de polis y mineros, como en el vuelo del niño bailarín.

'Billy Elliot' at Palace Theatre Victoria

Supongo que a toda la producción le hace falta sentirse bien en el escenario. Habrá que volver a verlo para disfrutar de otro Billy y de otro Kevin (los que ví anoche Miguel Millán y Ian Albert Holmes estuvieron soberbios, ya lo he dicho, nos hicieron llorar). Pero sí espero que este espectáculo no caiga en la abúlica rutina de otros musicales que aún se pueden ver en Madrid, en los que la falta de cariño por su trabajo arruina la calidad del espectáculo.

Billy ElliotEnhorabuena a SOM produce, por su iniciativa de traer el musical a España, a David Serrano por la dirección y a Gaby Goldman por la buena dirección musical. Billy Elliot le viene bien a este país, a lo mejor esta fábula inglesa mejora un poco el panorama artístico español, y los niños empiezan a bailar. Algo agradeceremos a los ingleses, sin hablar de fútbol.

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INCENDIOS

Es la tercera temporada que hacen en La Abadía, con llenos diarios. El público sale conmocionado de esta función poética y desgarradora sobre la guerra y la destrucción de la convivencia, en una producción teatral brillante, dinámica y muy bella. Gran teatro.

INCENDIOS, de Wajdi Mouawad.
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Actúan Nuria Espert, Laia Marull, Jose Luis Alcobendas, Carlos Martos, Candela Serrat, Alberto Iglesias, Lucía Barrado y Germán Torres.
La escenografía es de Carl Fillion y está construida por Mambo Decorados.
La iluminación es de Felipe Ramos y la videoescena de Alvaro Luna.
Dirige el espectáculo Mario Gas.

Incendies estuvo en Matadero Madrid en otoño de 2010, dirigida por el mismo autor. Aquella función, en francés, acentuaba el carácter narrativo del texto, con evocaciones más poéticas que materiales. El texto ha sido llevado al cine, también en 2010, por un director canadiense (como Mouawad), Denis Villeneuve, con ánimo mucho más documental. Esta producción que vemos ahora en La Abadía, es mucho más teatral, con más acción, y más verismo. Algo del lenguaje cinematográfico ha sido trasladado al escenario: fotos, imágenes, escenas proyectadas. Pero sobretodo aprecio el dinamismo de las escenas, la buena mano del director agilizando el espectáculo, que dura 3 horas sin que el público se mueva del asiento.

09.6119[1]Majdi Mouawad escribe la historia que han vivido su familia y él mismo, las guerras de Líbano que destruyeron todo el oriente próximo, y que siguen sin cerrarse. Una madre que ha sufrido y luchado lo indecible, mantiene en su vejez un silencio que molesta. Ese silencio se rompe cuando muere, cuando obliga a sus hijos a regresar al Líbano para averiguar la verdad de su existencia. Detrás del horror y de la des-humanización, los hijos descubren el inmenso amor que mantuvo a su madre viva a pesar de todo. La acción se vive en cuatro tiempos simultáneos: la adolescencia enamorada de la madre, la juventud  de esa mujer luchadora, el ajuste de cuentas que se produce cuando ella es ya anciana, y el viaje que hacen los hijos cuando muere hasta descubrir las verdades de su familia.

01.4847[1]El texto de Mouawad es poético, está lleno de sentencias prodigiosas y verdaderas, que convierten la secuencia de violencias y destrozos en un manifiesto filosófico en pro de la cultura y del amor. No es un pensamiento vulgar, es la amarga constatación de que el terror provocado por los hombres solo se combate con inteligencia, y con poesía. La venganza solo engendra violencia, y arrasa con el conocimiento, con la sutileza. Es la violencia de los hombres sobre las mujeres, tanto en el mundo de la familia arcaica como en el moderno combate religioso. La mujer es la cultura, el mártir moderno de la guerra, la destrucción de la convivencia que nos está amenazando ahora mismo, a todos.

2[4]El espectáculo que ha dirigido Mario Gas es muy dinámico y emocionante. La escenografía encaja a la perfección en ese extraño patio de butacas de La Abadía, con un “edificio” de puertas y ventanas que recibe todas las imágenes y que está deliciosamente iluminado. Pero lo más destacable es la maravillosa actuación de Laia Marull, Nuria Espert, y Jose Luís Alcobendas. Qué gusto emocionarnos con la Espert en esta tragedia mediterránea, tan dolorosa y tan actual. Y qué delicia de persona nos transmite Laia Marull, la mujer que canta, la que enseña, la que vence al odio con la generosidad.

La infancia es un cuchillo que se atasca en la garganta, nos gritan desde el escenario, y el autor añade en el programa que debemos estremecernos con la sangre de la poesía. Y que somos casas habitadas por un inquilino del que no sabemos nada. Yo desearía para la humanidad seguir siendo ignorante de ciertas cosas, pero parece ser que debemos armarnos de cultura, por si acaso.

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EL SERMÓN DEL BUFÓN, de Albert Boadella

Teatros del Canal – Sala Verde. 4, 5, 11, 12, 20 y 21 de octubre de 2017.

Un homenaje a más de cuarenta años de oficio teatral, en paralelo a la democracia española, con un posicionamiento anticlerical y anti nacionalista muy polémico en Cataluña, del creador que personalizó la lucha por la libertad de expresión en el post-franquismo. Toda la lucidez de un ácrata sin complejos que ha hecho el mejor teatro de España.

El sermón del bufón.Foto Jaime Villanueva011El espectáculo es un monólogo bastante cómico de Albert Boadella en solitario. El cómico reivindica la figura del bufón, el único que decía la verdad en la corte de hipócritas. Boadella se acuerda de su fondo infantil, no incauto sino juguetón, procaz. Después se sube al púlpito para hablar de filosofía, y para invocar a la inteligencia del espectador. Finalmente se despide del escenario levantando orgulloso la bandera del teatro, y homenajeando a Lorca: “El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas…”

Apedreados por ultracatólicos, insultados por nacionalistas, amenazados por franquistas, Joglars encarnaron el ideal de la comuna teatral, siempre con montajes humildes, libres de financiación pública, viajando de teatro en teatro, y retirándose al Ampurdán a crear sin descanso. Recordamos sus trabajos con proyecciones de: La Torna, Virtuosos de Fontainebleau, Gabinete Liberman, Teledeum, Doctor Floïd & Mister Pla,  Ubu President. Boadella siempre ha defendido su independencia, y a su compañía. Lo notable es que aún sin él siguen vivos, creando.

El sermón del bufón.Foto Jaime Villanueva001La afición de Boadella por la ópera se ha desatado una vez instalado en un gran teatro, como director de los Teatros del Canal, donde ha podido crear caprichos musicales como Don Carlo, Amadeu o El Pimiento Verdi. Ahora es un lujo poder asomarse al historial de Joglars, conocer un poco a este cínico clásico, y agradecerle memorables experiencias teatrales como la de Daaalí o El Nacional.

 

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TERRENAL pequeño misterio ácrata

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De Mauricio Kartún.
Actúan Claudio da Passano (Abel), Claudio Martínez Bel (Caín) y Rafael Bruza (Tatita)
Dirige y produce Mauricio Kartún.
Teatro de La Abadía, Madrid, del 19 al 22 de octubre de 2017, Festival de Otoño.

Se programa desde hace tres años en un pequeño teatro de Buenos Aires, cerca del obelisco, en un sótano que se llama Teatro del Pueblo y siempre está lleno. Los profesionales del teatro nos recomendaron esta obra y esperamos hasta el cierre de la taquilla para hacernos con las únicas entradas que no recogieron. Fué un hallazgo, una experiencia gozosa. Resulta que el público lo vuelve a ver una y otra vez, como si fuera un ritual, como si oír el texto ayudase a sobrellevar la existencia. Ahora viene a Madrid, al teatro de La Abadía. Os lo recomiendo.36977

Los actores hacen un estupendo trabajo gestual y cómico, lo que entendemos como clown (payaso augusto), con un texto delicioso en lenguaje gauchesco, lleno de intención política y filosófica, que llena los oídos del espectador. Es un teatro político que no es habitual en España, y que echamos de menos. Recuerda a La Zaranda de Jerez, pero este es aún más austero. Los personajes son maravillosos, tres arquetipos humanos muy bien dibujados: el gordo, el flaco, y el crápula. Pero es que además hablamos de capitalismo, y los tres dicen mucho.

Caín y Abel comparten un mismo lote de tierra heredado, y como ya sabemos, se odian fraternalmente. Caín es el agricultor, quejoso de los sacrificios de su vida esclava, el acaparador de reservas, el que se angustia con su propiedad, con su capital. Abel es un ingenuo recolector, su vida ascética y contemplativa de la vida natural remite a Francisco de Asis. Los dos mantienen las normas que en algún momento dictó un ser autoritario al que no han visto en años, Tatita.

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Pero la ansiedad de Caín, y la despreocupación de Abel llevan al inevitable y trágico fratricidio. En ese momento aparece Tatita. Momento feliz para los espectadores, pues entra con toda la música y alegría de la juerga, del hedonismo porteño.

terrenal-4-largeNo hay mucho que decir del lenguaje escénico, sencillo, austero, eficaz. Hasta se pueden permitir montar una banda de música y cantar canciones, ellos tres. La delicia de la interpretación se define por la pura honestidad del oficio cómico, y por la edad de los intérpretes, una autoridad muy de agradecer como espectadores. Parece que vivieran siempre así, como los personajes. Es tan bonito escucharles hablar en gauchesco como reír con sus lúcidas y amargas certezas.

 

 

 

 

 

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AGÓN y LA NIKÉ, la competición en la sociedad clásica, el deporte y el teatro.

EXPOSICIÓN TEMPORAL DE CAIXAFORUM Y BRITISH MUSEUM

CaixaForum Madrid, del 14 de julio al 15 de octubre 2017.

IMG_3656IMG_3634La competición está regulada y ensalzada en la Grecia Antígua, una sociedad compleja con muchas reglas de juego y con muchas desigualdades. En el deporte había disciplinas exclusivas para los aristócratas (cuadrigas), y otras reservadas a los esclavos (caballos). Y más allá de lo compartido con nosotros (premios, olimpiadas, iconos de belleza) llama la atención que los atletas entrenaban con música (con músicos) y que las mujeres competían. Los mitos femeninos de mujeres luchadoras eran mucho más poderosos que  los nuestros: Las amazonas del friso del Mausoleo de Halicarnaso pelean con los guerreros y los vencen.

Atalanta requiere una mención especial, no en vano ella y su novio Hipómenes son los leones que tiran del carro de Cibeles, una historia muy gay que los hinchas del Real Madrid ignoran por completo. Atalanta retaba a sus pretendientes a una carrera mortal, y ellos arriesgaban la vida por conseguir su amor… si le ganaban. Sólo Hipómenes utilizó la astucia pFullSizeRenderara distraer a la heroína, y la conquistó. Pero se “liaron” en una cueva consagrada a la diosa, ensuciando el templo, y Cibeles los convirtió en leones macho para que no pudieran amarse…

El teatro que ha llegado hasta nosotros es fruto de la competencia y de los premios: los ganadores de los concursos dramáticos y cómicos han sido editados y traducidos desde la antigüedad, en España y para toda IMG_3648Europa. La historia personal de Eurípides, el último campeón de tragedia, es fascinante.

En la competición teatral, la exposición utiliza un elemento sugerente: la popularidad del teatro en la vida cotidiana. Son preciosas las estatuillas de barro que se vendían en los teatros y que la gente colocaba en sus casas a modo de “belenes” divertidos. La gente conocía los temas trágicos y también los arquetipos cómicos: niñera anciana, joven rico y vanidoso, proxeneta, esclavo fugado… Toda la población participaba de aquellos festivales veraniegos en los que se hablaba de la vida, de la muerte, y de la política.IMG_3645

Las imágenes del teatro cómico no dejan de provocar una cierta nostalgia: esos trajes confeccionados para enseñar los bajos y provocar el movimiento grotesco, la mezcla desinhibida de la burla y el lirismo, y leer en las cartelas de la exposición que el antiguo teatro se representaba en tarimas portátiles, mucho más cerca del circo de lo que creemos. La excelente exposición enseña que todo lo que hacemos está interconectado, sin prejuicios, el deporte, los mitos, la tragedia y nuestra vida cotidiana.

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