LA DAMA DUENDE de Calderón de la Barca por la CNTC

fotonoticia_20171004160613_640El renovado Teatro la Comedia de la calle Príncipe, donde estuvo el corral de comedias, es una belleza. Anoche estaba lleno a rebosar, y como me habían recomendado esta versión, llevé a mi madre a que la disfrutase. Fué un placer escuchar un texto inteligente, vivamente actuado, con una escenografía deliciosa: un buen trabajo de mujeres. Además, salí sintiendo un curioso orgullo por una producción de categoría europea en una compañía nacional española, que muchas veces no me agradaba cuando estaba en el Pavón.

09-031_2LA DAMA DUENDE, de Pedro Calderón de la Barca. Versión muy adecuada y precisa de Alvaro Tato. La escenografía, muy habilidosa con el espacio y con la luz, es de Esmeralda Díaz. Actúan muchos, a mí me gustaron Marta Poveda, Nuria Gallardo y Joaquín Notario. La dirección de Helena Pimenta es muy acertada, a pesar de la prisa.

4101150La trama es una mujer curiosa e inquieta que se escapa de las prisiones morales que le ponen sus hermanos varones. Todas las mujeres son estupendamente listas, y todos ellos tontorrones cuando menos. La dirección ha podido subrayar los trazos gruesos de esta lectura suavemente “feminista”, pero lo que dice el texto es eso, debe ser que Calderón también lo pensaba.

A veces es complicado entender el texto de Calderón si no se actúa bien, claras las imágenes y las intenciones. Aquí lo han hecho estupendamente, si bien aceleran tanto las acciones para cerrar el telón en menos de dos horas, que terminamos alargando el cuello para no perder nada de lo que dicen. Vestidos y ambientados en el siglo XIX, toda la trama mantiene la vigencia. Qué divertido y triste es comprobar lo poco que han cambiado las cosas, si hasta ayer los hombres condicionaban la vida de las mujeres de esa manera tan ruín.

En fín, un gustazo de calidad, y un alivio no salir del teatro con aquella sensación que sacábamos del Pavón: ¿de verdad no se puede hacer algo mejor con nuestros clásicos? Helena Pimenta está dándole la vuelta, enhorabuena.

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FEDERICO Y LOLA, EL DESENCUENTRO

El espectáculo es intenso y emociona, enfrenta a una gran actriz y productora con el autor más brillante del siglo XX español, actriz y poeta discuten, los espectadores se conmueven, y cuando acaba quieren más. No hay muchas oportunidades en el panorama teatral de revisar así nuestros referentes culturales, y de pelearse así con las propias convicciones.

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Guión de Jon Sarasti, editado y documentado por Marijo Stefania. Título original “Federico y Lola, Buenos Aires 1934”. Dirección de Antonio Domínguez. Actúan Tusti de las Heras como Lola Membrives y Néstor Gutiérrez como Federico García Lorca. Vestuario de Cristina Domínguez, Música de César Gutiérrez. Teatro Lara de Madrid, lunes y domingos hasta 25 de diciembre 2017.

federico-lola-desencuentro-cartel-webAmigos, os pido que por una vez me permitáis comentar una obra de teatro que he escrito yo. Es una recreación histórica, como las que firmo para el Museo Arqueológico Nacional, con un personaje del que sabemos mucho, y otro del que desconocemos todo: Lola Membrives, una actriz olvidada en España (que no en Argentina), condecorada por la República y también por el Régimen franquista años después. Una de las dos salas del Teatro Lara de Madrid lleva su nombre, y dice la leyenda que su espíritu recorre los pasillos de ese edificio vetusto. La documentación trae una sorpresa detrás de otra: recabó apoyos para el bando nacionalista durante la Guerra Civil, sólo pisó España en ese tiempo para salvar la vida de Miguel de Molina (perseguido por “rojo”), fue despreciada por el Régimen como amiga de Lorca, y rescatada en la posguerra mundial junto al anciano nobel Jacinto Benavente. Su figura es la de una luchadora infatigable que se casó con el oficio. Buena parte del texto reivindica el oficio de actriz y la libertad de la mujer empresaria.

dmwxpoyxuaax0nz_large.jpgFederico García Lorca vivía en 1934 el momento de mayor éxito y trascendencia, y en Argentina ganó mucho dinero con sus actuaciones y conferencias. El teatro en Buenos Aires era y es aún hoy una industria provechosa, el público llenaba entonces (y llena ahora) teatros enormes  con dos y tres funciones diarias. Federico reconoce en el drama que su independencia económica le libera de otras ataduras y le permite abrazar sin complejos la causa de la liberación sexual, sobretodo de las mujeres, con las cuales espera compartir una liberación social. “Pero las mujeres no son libres, tienen miedo, qué les vamos a decir a las que vienen con sus maridos al teatro”, le contesta la actriz y productora.

ELola Membrives recreada por Tusti de las Herasn marzo de 1934, Federico estaba terminando de escribir Yerma en Buenos Aires, y buscaba convertir el estreno en España en un acto de compromiso político. Pero Lola Membrives no quería dejar escapar al poeta sin estrenar allí el mejor de los textos dramáticos. Lola desprecia todo el tinte político y de revancha que Federico respira en sus expresiones, y le reprime cuando habla de compromiso vital. Finalmente, Lola Membrives nunca estrenó Yerma, pero asistió a su estreno en Madrid, por Margarita Xirgú, jaleada por toda la izquierda republicana.

bodas-sangre--644x362Parece mentira, pero la base del debate sigue vigente, y en los espectadores se nota que la emoción es real, está viva. Lorca está vivo, y Lola Membrives, también.

 

22792354_10159852766145001_5850338270604436425_oEs la primera vez que tengo el privilegio de firmar un texto y que un director lo ponga en escena. Es impagable el talento y la calidad con la que trabaja Antonio Domínguez, que une al talento de conmover al espectador con luz e imágenes, un instinto especial para dar vida a los textos. Gran director, y grandes intérpretes: Tusti de las Heras es una gran actriz, dominadora del escenario, fuerte, emotiva, llena de matices y capaz de emocionar y cautivar al espectador hasta dejarle literalmente con la boca abierta (es confesión textual de los espectadores de anoche), una de las más grandes que tiene el teatro español de ahora. Néstor Gutiérrez se atreve con lo que nadie en España: el icono del poeta, andaluz, universal, gay, comprometido, asesinado; y lo trabaja metódico, sobrio, contenido, hasta hacerlo tan convincente y real que provoca las lágrimas inconscientes del espectador. Os aseguro que no esperaba un resultado tan brillante. No se puede más con tan poco, la palabra, apenas la palabra, y el sentimiento. Muchas gracias.

 

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SMOKING ROOM, un guión de cine mejorado por los actores.

Guión compartido de Julio Walovitz y Roger Gual. Espectáculo de Roger Gual. Interpretado por Secun de la Rosa, Miki Esparbé, Manuel Morón, Pepe Ocio, Manolo Soto, Edu Soto.

El Pavón Teatro Kamikaze, del 16 de octubre al 19 de noviembre de 2017.

Smoking- calidad web-8409©Geraldine Leloutre_previewUn espectáculo muy sencillo en apariencia, donde un robo de mucho dinero en la empresa se encubre con la reivindicación laboral de un cuarto para fumar. Los seis personajes son hombres, muy reales y habituales, cotidianos, arquetipos del trabajador urbano. Lo curioso es que los definen mucho mejor los actores, verosímiles, domésticos, que el propio guionista. Es un espectáculo genial para entender a los hombres de ahora, y el resultado es descorazonador. Se lo recomiendo a todos los que trabajan en oficinas, es emocionante reconocer a nuestros compañeros.

Cobardes son todos, unos más ingenuos que otros, sinceros ninguno. Todos los actores trabajan bien, pero se llevan la palma Edu Soto, Secun de la Rosa y Manuel Morón, en buena medida porque sus personajes están mejor apuntados, más definidos. Es quizás el riesgo de pasar del cine al teatro, de esa imagen impuesta al espectador donde le vemos los poros al personaje, a un escenario donde la verdad nos tiene que llegar con las palabras, y la emoción necesita su tiempo, su proceso casi musical, poético, para llegar a las entrañas del espectador.

Smoking- calidad web-8282©Geraldine Leloutre_previewSi el personaje no habla demasiado, no hay carne en el asador y con eso tiene que lidiar el actor. Además, en el teatro no hay engaño, no hay cambios de plano, si el personaje aparenta poderío físico (y el actor no mide 2 metros), el autor tendrá que dotarle de algún argumento mejor para imponerse. En cualquier caso, me encantó el buen trabajo de todos los actores.

El resultado descorazonador, la evidente miseria humana que nos envuelve, hubiera necesitado en el teatro más fuerza en el guión, un “punch” final más poderoso o más alargado, una resolución patética del perdedor, que acercase este Smooking Room al realismo norteamericano de Arthur Miller o David Mamet.

Bravo por los actores, id a verlo.

 

 

 

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PICASSO-LAUTREC exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Un gran creador le sigue al otro, le imita, le reproduce, y es divertido. Esta es una estupenda exposición temporal del Museo Nacional Thyssen, especialmente bella para los admiradores de las vanguardias artísticas finiseculares (XIX-XX), un tiempo intenso para el teatro.

img542Es conocida la costumbre de Pablo Picasso de apropiarse del estilo y los temas de los pintores a los que admiraba. Es tanta la producción del pintor malagueño que un museo como el Thyssen puede permitirse una comparativa de altura con el gran dibujante del teatro Toulousse Lautrec. Disfrutar las creaciones del genio francés, y a su lado las que Picasso pintó diez o quince años después, es brillante y como he dicho, divertido. El cartel de El Avaro, las composiciones de espacios urbanos, las escenas teatrales y circenses… en todo hay un precedente Tolousse Lautrec y una exploración Picasso.

IMG_3752La cantante melancólica Ivette Gilbert, el actor rojo Aristide Bruant, o los artistas de circo, han desbordado su identidad y su época, se han convertido en iconos de la representación gráfica, del modo en el que dibujamos la escena y los interpretes. A mí me resultan especialmente gratos los apuntes de personajes anónimos del teatro como la sastra que espera detrás del telón, la cigarrera que vende de mesa en mesa, o el joven artista imbuido de creatividad, ebrio al primer sorbo.

Me llama la atención la realidad física de uno y otro creador, muy presentes en la exposición, y su relación con el erotismo. Uno es el feo, el otro es bello, uno deforme  y escondido, el otro un hedonista don Juan. A la manera de Marlowe el primero, y de orgulloso Shakespeare el que le sigue. En fin, una delicia. Estará en Madrid hasta el 18 de enero de 2018.

 

 

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BILLY ELLIOT el musical Teatro Nuevo Alcalá Madrid

Es el mejor musical que he visto en Madrid, es un espectáculo completo, me ha emocionado y me ha hecho reír. Todos los que aún tenemos alegría en el corazón vamos a ir a verlo sin excusas. Es una gran noticia que esté aquí y que sea tan bueno.

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Después de la arrebatadora película que hizo Stephen Daldry en 2000, este director se reunió con Elton John y produjeron juntos el musical en 2005. Ha sido estrenado en todas las grandes ciudades anglosajonas y por primera vez se monta una producción en España. Han creado ex-profeso una escuela de bailarinas y bailarines que cantan e interpretan, excelentemente, escuela abierta mientras permanezca el musical, y esperemos que sea varios años. Esta es una gran producción, no envidia a las otras y no pierde con respecto a la película, todo lo contrario, gana con la música original de Elton John, ejecutada y cantada en directo, una de las mejores cualidades del espectáculo.

Billy Elliot

La historia de los mineros que pierden el trabajo y sus comunidades que se hunden en la miseria es tremendamente actual y muy fácil de entender hasta por niños. Esa comunidad obrera es solidaria y fraternal, pero también aplasta a los diferentes, a los que aspiran a gustos burgueses que los humildes no aprecian. Que un niño de familia humilde quiera ser bailarín, nada menos, o músico, o arquitecto, está fuera del alcance ideológico de una sociedad fragmentada, de una convivencia rota por el clasismo económico. La fábula de nuestro espectáculo es divertida: el profesor de boxeo es malo, y la profesora de danza muy buena, aunque esté en un pueblucho minero. Ella transmite pasión, y la pasión se contagia. La gracia está en que el apasionado es un niño, no afeminado, que quiere volar. El espectáculo está servido, y os aseguro que me emocionó.

Janet-Dickinson-Mrs.-Wilkinson-Drew-Minard-Billy-Samantha-Blaire-Cutler-Debbie-and-the-cast-of-“Billy-Elliot-the-Musical.”-Photo-by-Amy-BoyleLo más destacable es el trabajo que han hecho con los niños y las niñas, hacen unas interpretaciones excelentes en todo punto, muy impresionantes. Las interpretaciones de Mamen García como abuela y de Natalia Millán como maestra de danza son magníficas, merecedoras de premios sin duda. Buenos también los trabajos de Juan Carlos Martín (profe de boxeo) y de Alberto Velasco (el ayudante gordito). Algo más gris resulta Carlos Hipólito como padre, eclipsado por un fallido y sobreactuado Adrián Lastra como hijo mayor. En el índice de fallos está el elenco de mineros y polis, poco convencidos y poco convincentes, debieran dejar ya la pose de bailarines y encarnar el papel que les toca (unos cuantos días en la mina son una experiencia edificante).1. Liam Mower (Billy Elliot) and police, by David Scheinmann (2005)

La escenografía es de categoría internacional y poco se ha visto en Madrid ese calibre de montaje. Tengo que aplaudir especialmente el número de los cabezudos londinenses (la cuestión de los derechos ha obligado a inventar esa delicia de escena), un momento divertido y brillante. Sería bueno que los niños que viven esa fantasía la gritasen más, la riesen más. Y por último, aunque imagino una tarea de titanes coordinar la iluminación de un espectáculo tan complejo, creo que falla la iluminación, tanto en las peleas callejeras de polis y mineros, como en el vuelo del niño bailarín.

'Billy Elliot' at Palace Theatre Victoria

Supongo que a toda la producción le hace falta sentirse bien en el escenario. Habrá que volver a verlo para disfrutar de otro Billy y de otro Kevin (los que ví anoche Miguel Millán y Ian Albert Holmes estuvieron soberbios, ya lo he dicho, nos hicieron llorar). Pero sí espero que este espectáculo no caiga en la abúlica rutina de otros musicales que aún se pueden ver en Madrid, en los que la falta de cariño por su trabajo arruina la calidad del espectáculo.

Billy ElliotEnhorabuena a SOM produce, por su iniciativa de traer el musical a España, a David Serrano por la dirección y a Gaby Goldman por la buena dirección musical. Billy Elliot le viene bien a este país, a lo mejor esta fábula inglesa mejora un poco el panorama artístico español, y los niños empiezan a bailar. Algo agradeceremos a los ingleses, sin hablar de fútbol.

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INCENDIOS

Es la tercera temporada que hacen en La Abadía, con llenos diarios. El público sale conmocionado de esta función poética y desgarradora sobre la guerra y la destrucción de la convivencia, en una producción teatral brillante, dinámica y muy bella. Gran teatro.

INCENDIOS, de Wajdi Mouawad.
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Actúan Nuria Espert, Laia Marull, Jose Luis Alcobendas, Carlos Martos, Candela Serrat, Alberto Iglesias, Lucía Barrado y Germán Torres.
La escenografía es de Carl Fillion y está construida por Mambo Decorados.
La iluminación es de Felipe Ramos y la videoescena de Alvaro Luna.
Dirige el espectáculo Mario Gas.

Incendies estuvo en Matadero Madrid en otoño de 2010, dirigida por el mismo autor. Aquella función, en francés, acentuaba el carácter narrativo del texto, con evocaciones más poéticas que materiales. El texto ha sido llevado al cine, también en 2010, por un director canadiense (como Mouawad), Denis Villeneuve, con ánimo mucho más documental. Esta producción que vemos ahora en La Abadía, es mucho más teatral, con más acción, y más verismo. Algo del lenguaje cinematográfico ha sido trasladado al escenario: fotos, imágenes, escenas proyectadas. Pero sobretodo aprecio el dinamismo de las escenas, la buena mano del director agilizando el espectáculo, que dura 3 horas sin que el público se mueva del asiento.

09.6119[1]Majdi Mouawad escribe la historia que han vivido su familia y él mismo, las guerras de Líbano que destruyeron todo el oriente próximo, y que siguen sin cerrarse. Una madre que ha sufrido y luchado lo indecible, mantiene en su vejez un silencio que molesta. Ese silencio se rompe cuando muere, cuando obliga a sus hijos a regresar al Líbano para averiguar la verdad de su existencia. Detrás del horror y de la des-humanización, los hijos descubren el inmenso amor que mantuvo a su madre viva a pesar de todo. La acción se vive en cuatro tiempos simultáneos: la adolescencia enamorada de la madre, la juventud  de esa mujer luchadora, el ajuste de cuentas que se produce cuando ella es ya anciana, y el viaje que hacen los hijos cuando muere hasta descubrir las verdades de su familia.

01.4847[1]El texto de Mouawad es poético, está lleno de sentencias prodigiosas y verdaderas, que convierten la secuencia de violencias y destrozos en un manifiesto filosófico en pro de la cultura y del amor. No es un pensamiento vulgar, es la amarga constatación de que el terror provocado por los hombres solo se combate con inteligencia, y con poesía. La venganza solo engendra violencia, y arrasa con el conocimiento, con la sutileza. Es la violencia de los hombres sobre las mujeres, tanto en el mundo de la familia arcaica como en el moderno combate religioso. La mujer es la cultura, el mártir moderno de la guerra, la destrucción de la convivencia que nos está amenazando ahora mismo, a todos.

2[4]El espectáculo que ha dirigido Mario Gas es muy dinámico y emocionante. La escenografía encaja a la perfección en ese extraño patio de butacas de La Abadía, con un “edificio” de puertas y ventanas que recibe todas las imágenes y que está deliciosamente iluminado. Pero lo más destacable es la maravillosa actuación de Laia Marull, Nuria Espert, y Jose Luís Alcobendas. Qué gusto emocionarnos con la Espert en esta tragedia mediterránea, tan dolorosa y tan actual. Y qué delicia de persona nos transmite Laia Marull, la mujer que canta, la que enseña, la que vence al odio con la generosidad.

La infancia es un cuchillo que se atasca en la garganta, nos gritan desde el escenario, y el autor añade en el programa que debemos estremecernos con la sangre de la poesía. Y que somos casas habitadas por un inquilino del que no sabemos nada. Yo desearía para la humanidad seguir siendo ignorante de ciertas cosas, pero parece ser que debemos armarnos de cultura, por si acaso.

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EL SERMÓN DEL BUFÓN, de Albert Boadella

Teatros del Canal – Sala Verde. 4, 5, 11, 12, 20 y 21 de octubre de 2017.

Un homenaje a más de cuarenta años de oficio teatral, en paralelo a la democracia española, con un posicionamiento anticlerical y anti nacionalista muy polémico en Cataluña, del creador que personalizó la lucha por la libertad de expresión en el post-franquismo. Toda la lucidez de un ácrata sin complejos que ha hecho el mejor teatro de España.

El sermón del bufón.Foto Jaime Villanueva011El espectáculo es un monólogo bastante cómico de Albert Boadella en solitario. El cómico reivindica la figura del bufón, el único que decía la verdad en la corte de hipócritas. Boadella se acuerda de su fondo infantil, no incauto sino juguetón, procaz. Después se sube al púlpito para hablar de filosofía, y para invocar a la inteligencia del espectador. Finalmente se despide del escenario levantando orgulloso la bandera del teatro, y homenajeando a Lorca: “El teatro es una escuela de llanto y de risa y una tribuna libre donde los hombres pueden poner en evidencia morales viejas o equívocas…”

Apedreados por ultracatólicos, insultados por nacionalistas, amenazados por franquistas, Joglars encarnaron el ideal de la comuna teatral, siempre con montajes humildes, libres de financiación pública, viajando de teatro en teatro, y retirándose al Ampurdán a crear sin descanso. Recordamos sus trabajos con proyecciones de: La Torna, Virtuosos de Fontainebleau, Gabinete Liberman, Teledeum, Doctor Floïd & Mister Pla,  Ubu President. Boadella siempre ha defendido su independencia, y a su compañía. Lo notable es que aún sin él siguen vivos, creando.

El sermón del bufón.Foto Jaime Villanueva001La afición de Boadella por la ópera se ha desatado una vez instalado en un gran teatro, como director de los Teatros del Canal, donde ha podido crear caprichos musicales como Don Carlo, Amadeu o El Pimiento Verdi. Ahora es un lujo poder asomarse al historial de Joglars, conocer un poco a este cínico clásico, y agradecerle memorables experiencias teatrales como la de Daaalí o El Nacional.

 

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