ESCAPE SHOW

<<Un espectáculo interactivo en el que juegas o mueres>>

La idea es estupenda, y la reacción del público, admirable: todos colaborando con todos con una energía de lo más sorprendente. Muy buena experiencia y muy recomendable. Pero tienen que mejorar la teatralidad y la diversión, se queda muy corta.

Idea: Ivan TapiaEscape-show2Dirección: Alicia Serrat Actúan: Laia Mendoza, Roc Olivé, Roger Torns Producción: Anexa, Barcelona.             Teatros del Canal, sábados de septiembre y octubre 2017.

 

 

En plena expansión de las experiencias Escape Room, inventadas por un japonés en 2008 y que ya se ofrecen en todas nuestras ciudades, han producido este espectáculo interactivo para ir en familia o cuadrilla a compartir enigmas y resolver a toda prisa el misterio.  Una habitación de escape o Escape Room es un juego de aventura físico y mental que consiste en encerrar un grupo de jugadores en una habitación donde deberán solucionar rompecabezas de todo tipo para conseguir “escapar” antes de que finalice el tiempo disponible (normalmente 60 minutos).

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En el espectáculo nos entregan a todos la posibilidad de salvar la vida encerrada en un cofre, candado. Abrirlo exigirá nuestra máxima atención y la más generosa colaboración con todos nuestros vecinos, normalmente gente joven. Las pruebas se pueden resolver, no son complicadas, y nos dejan a todos una sensación eufórica, divertida. Pero debieran advertir que no hay mucha luz en el teatro, y otra cooperación posible es iluminar con el móvil al que anota los resultados.

Escape-Show-1Teatralmente no llenan el escenario, se quedan muy cortos, y viniendo de Barcelona es un fallo. Necesitan más comedia, más casquería escénica y divertirse mucho más. Yo aconsejaría destilar los resultados para que los lentos no se queden fuera de juego, mientras distraen a los listos con juegos cómicos. Finalmente el público era maravilloso cantando los resultados a coro. El juego final con el público en el escenario lo redondearán sin duda en las próximas actuaciones, espero. Me gustan más Los Marcelos, como aparecen en el programa, que los Pacos. Y si consiguen hacer bailar a todo el mundo, mejor. ¡Ánimo creadores, sin miedo, que hemos ido a divertirnos, y tenemos ganas!

 

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KARIM: sólo para adultos

karimsoloparaadultos.jpgAl ver la foto de un tío descarado desnudo, con un espejo donde vemos su trasero, y llamándose Karim, esperaba algo sofisticado. Se anuncia como espectáculo de comedia mágica. Me encontré con un cómico desenfadado con algunos juegos de mentalismo, esa modalidad de magia en la que se adivinan datos, las imágenes viajan por el aire o incluso las páginas de un libro desaparecen para volver a aparecer bajo el asiento de un espectador. Las chicas se divertían a lo grande, y confieso que me reí sin parar. Lo que me gustó es el personaje: un hombre tierno e inteligente dispuesto a hacernos reír.

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Los magos son gente curiosa, suelen tener problemas con las palabras y con los personajes, pero no pueden hacer espectáculos sin ellos. Deben contar una fábula sin destripar el misterio ni cansar a la gente. Y los personajes que representan no pasan de ser ellos mismos. Pero Karim ha fabricado un personaje de Stand Up, que aparentemente habla de sí mismo, con chistes de matrimonios y su peculiar dulzura de casado arrepentido. Se gana al público con bromas descaradas que no ofenden. Al final del espectáculo eché de menos ese personaje del perdedor.

Los juegos de magia encajan con naturalidad, no les da importancia y con ello consigue sorprender, que no es poco. Se echa de menos algo más de magia, y rematar la comedia con un desenlace “personal” escabroso, mágico, o etílico, como marcan sus gags de principio. En mi opinión sobran las sombras chinescas, muy poéticas, que solo enternecen a las madres jóvenes que salen al teatro con sus aliviados maridos. Karim es un artista inteligente que ha diseñado un divertido show pensado para chicas.

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ANTIGONA

De Sófocles. Producción de El Pavón-Teatro-Kamikaze (Coproducción con Teatro de la Abadía, 2014)

Versión y Dirección: Miguel del ArcoTdlC ANTIGONA_416_Fotograf°aLuisCastilla_elNorteCyC

Actúan: Manuela Paso, Carmen Machi, Angela Cremonte, Cristóbal Suárez, Raúl Prieto, Silvia Álvarez, Jose Luís Martínez, Yon González.

Escenografía: Eduardo Moreno, Alejandro Andújar, Beatriz San Juan.

Iluminación: Juanjo Llorens.

Coreografía: Antonio Ruz.

Los últimos días de programación, con el teatro lleno sin entradas, los profesionales acudiendo en masa para ver un montaje exitoso. No es de ahora, pero tiene éxito, es calificado de excelente y la gente se levanta del asiento para aplaudirlo. Es una buena noticia para El Pavón-Kamikaze, que apuesta duro por el prestigio y por mantenerse abierto.

La trama: acabada la guerra civil, las dos hermanas Antígona e Ismene se enfrentan. Las nuevas leyes prohíben honrar a los muertos del bando derrotado. Una hermana quiere olvidar y seguir viviendo, la otra mantiene la memoria de los caídos. Antígona se enfrenta al dictador, en este caso dictadora, contraviniendo las normas. A la dictadora no le tiembla la mano encarcelando y llevando a la muerte a Antígona, aunque ello conlleve perder a su único hijo vivo.TdlC ANTIGONA_04_FotografiaLuisCastilla_elNorteCyC

Es un clásico respetado en estructura y lenguaje, con un coro, diálogos (Sófocles inventa el diálogo, es el primero en introducir dos personajes dialogantes) y una ambiente neutro que permite espacios diferentes con simples cambios de luz. El espectáculo es dinámico, juega con imágenes poderosas con la escenografía y la coreografía. Todo al servicio de Creonte-Machi, una dictadora de nuevo orden que se vuelve al final “madre coraje” trágica llorando a su hijo y lamentando su obcecación.

La dramaturgia y la dirección sacrifican a Antígona y también a Ismene, y podría haberse titulado “Creonte”. Lo menos agradable fue el tratamiento del lenguaje, ese hábito de gritar y quebrar los fraseos como si oyésemos la métrica yámbica de los griegos, y que hace incomprensibles los textos e incómodos los personajes. A los actores jóvenes que hay entre el público parece encantarles, pero aturde y cansa innecesariamente al espectador.

Carmen Machi hace bien su trabajo (gran trabajo), pero considero que está forzada, pierde por arriba todos los tonos irónicos que ella maneja, y que tanto encajarían en esa pequeña “Stalin” que el director dibuja. El largo lamento final con el hijo muerto puede que levante pasiones en un teatro romano, pero anoche se nos caía encima con mucho peso. De todos modos, teatro lleno, enhorabuena.

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EL DISCO DE CRISTAL

Hace más de un año que no publico críticas en mi blog. Ha sido una joyita teatral la que me ha sacado de la hibernación, en una tarde primaveral. Después de hacer cola en la calle, a las puertas del teatro Lara, me encontré un pequeño musical lleno de nervio y calidad, y salí muy contento. Merece la pena verlo, este espectáculo tendrá mucho recorrido.

El disco de cristal

El disco de cristal

EL DISCO DE CRISTAL
Pequeño musical basado en la obra de Tennessee Williams, escrita, dirigida y protagonizada por Secun de la Rosa.
Actúan: Xabi Melero, Ana Hurtado y Secun de la Rosa.
La música es de Pablo Méndez, interpretada a la guitarra en directo.
Teatro Lara de Madrid, sala pequeña, viernes y sábados por la tarde.

Secun de la Rosa se ha encontrado un drama psicológico que le encaja a la perfección a una historia muy española. Lo ha reescrito con elementos biográficos personales, ha querido llenarlo de canciones y lo ha convertido en un pequeño musical cantado y musicado en directo. En absoluto y sencillo directo.

El disco de cristalEn lugar de madre añorante de su glorioso pasado (el personaje de Tennessee Williams), Secun encarna un cantante “pop-melódico” que actúa en hoteles y salas de fiesta, muy decadente, un personaje tipo que hemos llegado a conocer cuando éramos jóvenes. Tomy Tomás es un emigrante extremeño (o andaluz) en la Barcelona industrial de los sesenta, al que se decía despectivamente “charnego”. El Tomy cría solo a sus dos hijos después del abandono de la esposa catalana. La adaptación barcelonesa del Zoo de Cristal es un hallazgo feliz, muy bien traído, y muy personal de Secun de la Rosa, hijo de emigrantes andaluces en Barcelona. Él dice que ha encontrado inspiración en familiares suyos, lo cierto es que la historia rezuma autenticidad, está dicha desde el salón del pisito familiar, desde la memoria de una infancia tan común como sencilla.

El personaje de Tomy Tomás es un hallazgo cómico: patético cantante y heróico padre manipulador, reúne al Fernán Gómez de Viaje a ninguna parte con personajes de Santiago Segura. Pero la comedia patética es redonda con los personajes de los hijos, y con la magnífica composición que hacen Ana Hurtado y Xabi Melero. Ana Hurtado recrea la hija tullida de manera espléndida, muy medida entre las hilarantes coreografías con su padre y los emocionantes encogimientos en los que canta desde las entrañas. Xabi Melero representa al hijo-narrador, un cantautor maldito en lugar del poeta atormentado de Tennessee Williams. Canta y actúa francamente bien, es un gusto escucharle, y remata el musical con un monólogo emotivo, que podría ser más pausado, para el deleite del público. El homenaje a Enrique Urquijo es una delicia.

El disco de cristalEs admirable el nervio compositivo de Secun de la Rosa como director: ha metido un drama con ritmo televisivo, con sabor español, y canción italiana. A lo mejor Secun de la Rosa se deja llevar demasiado por ese ritmo del gran público, que le funciona muy bien para el personaje de Tomy Tomás (acelerado, hiperbólico, cómico), pero que en algún momento teatral merece una pausa. Los brillantes intérpretes levantan estos buenos personajes con una simplicidad teatral y musical cargada de contenido.

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NAMELESS HANDS

Danza contemporánea como cuento barroco, delicioso espectáculo de baile y simbología, una generosa pesadilla cultural europea bailada por títeres japoneses (bunraku), que son humanos, que te envuelven en una fascinante pregunta estética. Bailarines, artistas, titiriteros, filósofos: a no perdérselo, solo tres días.

nameless_handsNAMELESS HANDS

Compañía Naoism1, Asahi Performing Arts Award en 2008 por este montaje.
Los bailarines, ellas y ellos todos magníficos, no aparecen sus nombres en ningún lado.
Vestuario: Yuichi Nakashima (artburt)
Diseño máscaras: Hidemi Ishihashi
Dirección, coreografía e iluminación: Jo Kanamori
Teatros del Canal, sala roja, 28, 29 y 30 de noviembre 2013.
 

nameless_handsTuve la suerte de asistir al pase gráfico, , los japoneses bailaban aquello  primera vez en Europa, en la calle caía la primera nevada, y los fotógrafos (que no suelen aplaudir) soltaron los trípodes para levantar las manos batientes. Aquello no era habitual.

Nameless Hands recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’, los manipuladores de títeres bunraku (oficialmente Ningyô Yoruri). Los espectáculos de títeres, con manipuladores vestidos de negro con un atuendo profesional específico, separan las tres artes claramente en el escenario: el narrador se sitúa en un lateral, en el otro se sitúa la orquesta, y los títeres crean las bellas imágenes en silencio. Algo así como la ópera, pero más limpio.

nameless_hands¿Intento redactar un argumento?: El constructor de títeres con pata de palo (Gepetto) se enamora de su muñeca, pero su mujer, que lo reprende y no se deja manipular, también se enamora de la muñeca y termina convertida en títere. Gepetto manipulador es también manipulado, porque la muñeca abusa sexualmente de él (Carmen). En medio, Romeo y Julieta viven su aciago amor (puede ser que fueran Tristán e Isolda). Finalmente, todo es pesadilla, pero Gepetto ha traspasado el espejo mágico. En la segunda parte, el homenaje se traslada al ballet y al mundo de la gestualidad. ¿Me gustó más la segunda parte? Es difícil decidirlo, la escena de la cena de gestos, o la consagración de la primavera, son magistrales, hay que verlas.

Lo que vimos anoche es una indigestión de ópera y racionalismo europeo hecho espectáculo de danza japonesa, con bunraku, y poesía visual. No me caben las palabras, porque eran muchos los estímulos. La belleza estriba en el orden, en la secuencia de imágenes tan bien ejecutadas, en la cuidada partitura de movimientos y colores. Narrativa de cuento, belleza coreográfica, música reconocible como enlace cultural, y gran cantidad de iconografía, como para un master o dos. Un placer (una pasada).

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MASTER CLASS

Un espectáculo sobre el arte, una deliciosa exaltación de la entrega y la generosidad del intérprete. Nunca regalen su trabajo, decía Norma-Callas, y ella nos deleitaba con su actuación, con sus manos, con su elegancia inteligente, no exenta de amargura.

masterclass  MASTER CLASS

De Terrence McNally.
Actúan Norma Aleandro y los cantantes de opera Lucilla Gandolfo, Lucía Silva, Carolina Gómez y Marcelo Gómez.
Al piano el maestro Santiago Rosso.
Dirige la escena Agustín Arezzo.
Teatros del Canal, del 9 al 27 de octubre de 2013.
 

masterclass 2María Callas da lecciones en la ciudad de Nueva York, al final de su carrera, y detrás de cada comentario, de cada apreciación, hay toda una vida de pasión por la música. Una soprano que se convirtió en mito por la voz, por la intensidad en su interpretación de personajes, por trabajar en opera, en cine, con los mejores, y también por Aristóteles Onassis, que la abandonó para seducir a Jacqueline Kennedy.

Los alumnos pagan por recibir una lección de la diva, y uno tras otro salen trasquilados del encuentro, con algún que otro elogio. Son tres los cantantes que suben al escenario: La Sonámbula de Bellini, Tosca de Puccini y Macbeth de Verdi. Con la primera aprendemos a traspasar las indicaciones de los autores, no es una sonámbula sino una mujer desgarrada que vaga ensoñando un nuevo encuentro; con el segundo encontramos satisfacción sexual detrás del entusiasmo matutino de Cavaradossi; con la tercera descubrimos que también las mujeres pueden ser diabólicas y sanguinarias.

masterclass La tercera cantante, ofendida ante la superioridad y crueldad (o sincera crudeza) de la Callas, la insulta por haber derrochado su voz en diez años, por ser una buscona del efectismo. En ese momento, la Callas entra en barrena y conecta con lo más hondo de su drama sentimental, la humillación proferida por Onassis, su renuncia al hijo que esperaba, que ella expresa como Medea Ho dato tutto a te, a te… Lástima que en ese momento tan bello sonara un tonto móvil que nos devolvió a la triste realidad, junto con algunas toses: la gente rechaza el drama, aunque sea sublime.

La escena es limpia, amplia, permite el lucimiento de la gran actriz, todo lo llena con su gesto y con su mirada. Es curioso que el autor, norteamericano, viajara a Buenos Aires cuando Norma Aleandro estrenó esta pieza en 1994, para calificarla admirado como la mejor versión de su obra. Curioso pero no extraño, quién mejor que los argentinos para entender el alma de la cantante que marca un antes y un después en la ópera (italiana).

Todo el espectáculo es una delicia, y considero una suerte escuchar tan bello encomio del arte.

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TIRANO BANDERAS

Una novela de referencia malograda en escena, una producción oficial (los actores cobran por su trabajo y su tiempo en un momento en que pocos lo hacen), donde el protagonista no se sabe el papel, y difícilmente puede representar algo que no sea patético. Una puesta en escena antigua, oscura y aburrida.

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TIRANO BANDERAS
Novela de tierra caliente (1927), de Ramón del Valle-Inclán.
Adaptación de Flavio González Mello.
Actúan: Emilio Buale, Pedro Casablanc, Joaquín Cosío, Rafa Cruz, Emilio Echevarría, Vanesa Maja, Mauricio Minetti, Juli  Mira, Susi Sánchez.
Dirección y escenografía de Oriol Broggi.
Producción del Teatro Español junto a teatros oficiales de Méjico, Montevideo, Bogotá, Quito y Caracas.
En el Teatro Español de Madrid, del 10 de octubre al 10 de noviembre.
 

tirano_banderas_escena_46Valle Inclán había estado en América veinte años antes, pero supo captar las miserias políticas y sociales y retratarlas con vocablos y acentos americanos. Tirano Banderas es de compleja lectura al principio, los planos de acción y narración se suceden en una estructura muy moderna que requiere atención. Pero recuerdo la fascinación que me causó su lectura por las poderosas imágenes que transmitía. Es natural la tentación de llevarlo al teatro, ya lo hizo Tamayo en el Español en los años 70.

Todos los que escenifican Valle-Inclán tienen el mismo problema: los textos narrativos (y las acotaciones teatrales), son tan poéticos que los suben a escena, y acaban obligando al personaje grotesco a convertirse en narrador de cara al público.  Así lo vimos esta semana en el estreno, torpe y precipitado, de esta malograda escenificación de Tirano Banderas, en la que el protagonista no acertaba con sus textos, e incluso un actor admirado como Casablanc cometía errores de texto en dos o más ocasiones.

tirano_banderas_escena_36Es la historia de un dictador malvado e inteligente, que mantiene las estructuras de poder bien atadas (en una república imaginaria-muy realista). Reprime, asesina, secuestra, vive rodeado de acólitos sin brío, y se permite caprichos filantrópicos. El Tirano comete un error: incrimina a un soldado leal, que se hace líder de la rebelión, y como consecuencia, lo pierde todo y muere.

En cuanto a la puesta en escena, oscura y enmarañada, echo de menos imaginación, lucidez en el concepto, un poco más de modernidad (recuerdo el montaje polaco de chabolas de Dantón). Si el enmarañamiento proviene de la dramaturgia, mucho me decepciona, teniendo Cataluña tan buena tradición dramatúrgica. Todos sabemos que América es color, vida, fuerza natural, y cuando menos luz. Las imágenes que vimos situaban un administrador colonial africano en un cabaret centroeuropeo. Espero que el director se aclare y dé más luz al montaje según se acerca a América.

  El elenco, a pesar de todo, trabaja de lo lindo (y supongo que aprovecharán la temporada en Madrid para ensayar juntos). Es impresionante el buen trabajo de Vanesa Maja, espléndido actor que da gusto verlo Joaquín Cosío, y muy admirable la versatilidad de una escayolada Susi Sánchez, qué bonita india madre y qué entrañable Valle-Inclán preso en la cárcel. Recordarles me alegra un poquito el sinsabor.

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