MATILDA (Y otros musicales de London City)

28166736_10215650423554666_4998263974459732242_nUn musical sobre la obra de Roald Dahl, un guión que celebra la inteligencia de los espectadores, comedia divertida, mágica, una música excelente… Impecable. Incluso podría reseñar la sorpresa de ver un auditorio tan lleno de niños y adultos absolutamente mezclados, sin estorbarse mutuamente, emocionados o divertidos por diferentes estímulos.

28168057_10215650423194657_2250473808637722588_nPero lo más impactante de todo es que Matilda es una producción de la Royal Shakespeare Company. Es una producción pública, que también tiene patronos y donantes, que figuran con nombre propio, pero que puede permitirse estrenar un autor inglés irreverente y contracultural, respetando todo su sarcasmo, con un espectáculo magistral, completo. Y se pueden permitir vender la franquicia a todo el mundo. Son prácticos estos ingleses, lo venden todo, y en el teatro son muy buenos.

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ESTO NO ES LA CASA DE BERNARDA ALBA

Un espectáculo bello, fresco, des-acomplejado, un happening de danza y música donde las palabras de Lorca son asumidas con culpa por los hombres, un discurso necesario sobre las violencias del hombre. La sorpresa es que no gusta a todo el mundo. Hay que verlo.

bernarda_albaAntonioCastro_2017_002ESTO NO ES LA CASA DE BERNARDA ALBA
Autor: Federico García Lorca. Versión: José Manuel Mora. Intérpretes: Eusebio Poncela, Óscar de la Fuente, Igor Yebra, Jaime Lorente, David Luque, Julia de Castro, Guillermo Weickert, Arturo Parrilla, Diego Garrido. Audiovisual: Jaime Dezcallar. Luz: David Picazo. Movimiento: Ana Erdozain. Utilería: Miguel Delgado. Vestuario: Ana López Cobos. Escenografía: C. Ferrer y M. Delgado.. Dirección: Carlota Ferrer. Madrid. Teatros del Canal, hasta el 7 de enero.

casa-Bernarda-Alba-Teatros-Canal_EDIIMA20171213_0854_20A mí me hizo disfrutar, y reír, y también me provocó tristeza. Nada es inocente ni casual en este montaje, y lo mismo que tiene de irreverente lo tiene de lorquiano. El trabajo de los intérpretes es magnífico, de todos, y tan diverso como lenguajes que usa. Los críticos lo han despedazado con un desprecio un tanto extraño, pusilánime. Yo estoy de acuerdo con Carlota Ferrer: la violencia de los hombres es la misma dentro de casa y en el consejo de administración, todas las religiones nos montan la guerra antes de dejar escapar una súbdita, el mundo no cambiará mientras una mitad pisotee a la que tiene al lado. Este pensamiento es el de Federico García Lorca, y se merece el homenaje.

DSC_0249-300x224Desde el principio, (antes de empezar la función los actores ejecutan paseos surrealistas sobre el escenario) me sorprendió el juego de danza y pantomima, en absoluta concordancia con el universo de Federico. Los actores bailan, cantan, tocan instrumentos, y consiguen una belleza a pocos metros, que complace a un espectador como yo. La procesión de las enlutadas cantando, bailando y tocando es preciosa.

bernarda-kd7F--620x349@abcEl espacio y la luz corresponden a la danza contemporánea, danza que aparece por sorpresa, que caracteriza a los personajes alegres (las criadas y la vieja) y que nos permite disfrutar del movimiento de un bailarín excepcional, Igor Yebra.

casa-Bernarda-Alba-Teatros-Canal_EDIIMA20171213_0915_5El lenguaje surrealista llena de imágenes el escenario, algo muy propio de la danza, con perros doberman, pellejos colgados, o la dilapidación en vivo de una mujer, esta última quizás la más dura y consistente de todas. Igual que Lorca hacía asesino a su Cristobita el títere, o dilapidaba a Yerma en una romería de mujeres enloquecidas, los payasos siniestros del final han perdido la inocencia del arlequín inicial, y meten a la mujer que protesta en una caja.

A lo mejor nada es nuevo, pero voy a llevar a mi madre, ¡y quedan pocos días! Veremos qué piensa después. Seguro que le encanta ver a Eusebio Poncela tan de cerca, haciendo de Bernarda francamente bien.

 

 

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CASI NORMALES el musical de la familia moderna

Es un musical diferente, de calidad, sin artificios, una representación de la vida con final amargo, y al mismo tiempo es una lección de humildad que recomiendo a todo el mundo. Merece la pena ver este espectáculo, es lo más actual y nos retrata como somos: frágiles e individuales. Es Broadway en casa, vayan a verlo.

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CASI NORMALES de Brian Yorkey, música de Tom Kitt, premios Tony y Pulitzer al mejor espectáculo del año en Broadway. Actúan Nina o Silvia Luchetti (en alternancia), Nando González, Jana Gómez, Guido Balzaretti, Roger Berruezo, Fabio Arrante. El escenario es de José Novoa, la dirección de Luis Romero, la música la dirigen Abel Garriga y Xavier Torras, los músicos se llaman Marc Camero, Dani Cea, Quim Serra, Marta Roma y Dusan Jevtovic.
En el Teatro La Latina de Madrid desde el 14 de diciembre 2017 hasta febrero 2018.

154734_casi_normalesAntonioCastro_2017_013_thumb_722En una casa normal, en una ciudad habitual, una familia puede inspirar un musical. Pero ninguna apariencia de normalidad es natural, y el esfuerzo por parecer fuertes nos destroza, arruina el amor, desgasta el cariño. La fuerza de la costumbre, añadida al miedo a cambiar, nos impide ver la luz. Todo esto está en CASI NORMALES. El nexo de amor de esta familia, la madre, está destrozada, se quiere suicidar, quiere acabar con su vida, y el padre lucha inútilmente por recuperar la normalidad. No quiero desvelar el final, pero si transmitir  la belleza del personaje triste del drama: la pobre hija, la malquerida de esta historia, una adolescente abocada a la autodestrucción porque nadie repara en ella.

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Este espectáculo es muy redondo. Impacta por la sinceridad del tema, y se resuelve de una manera sorprendente, tanto que legitima todo el musical. El final de la trama es formidable: no es obligatorio ser feliz para vivir. Es un alegato contra la medicación como única solución para un problema psíquico, y la protagonista sale adelante adoptando la sinceridad como arma, herramienta amarga, para vivir.

Una casa abierta, diáfana, en tres pisos de andamio con paneles japoneses que crean sombras. Una familia corriente: padre, madre, hija, hijo, el novio de la hija, y los psiquiatras que tratan a la madre. En la buhardilla están los músicos, en el segundo se recrea el Instituto donde estudia la hija y los espacios que comparte con el novio, en la planta baja el comedor de la casa y el diván de los médicos. No hay engaños, pero es bello por limpio, y agradable. La música forma parte de los diálogos, la trama se articula en las canciones, y el musical es mucho más natural y cercano de lo habitual.

CasiNormales-kReH--1240x698@abc-kprH--1240x698@abcLa crítica que hay que hacer es la falta de intensidad en la interpretación. Y la culpa la tiene la sociedad pacata en la que vivimos, que penaliza la sinceridad y premia el exhibicionismo. El director de escena no se ha atrevido a romper a ese padre impotente,  que no se conmueve, no llora (salvo al final), ni siquiera cuando todo se le cae en la vida. Creo que el guapo Nando González es perfectamente capaz, sin necesidad de que todo el peso recaiga en Nina, que está encantada de la oportunidad para el desgarro escénico. Es la hija la que necesita un padre conmovido.

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Personajes de CASI NORMALES (de derecha a izquierda): la madre (alternante), el novio, la hija, el padre, la madre, el psiquiatra, el hijo

Ver este espectáculo es un placer, te puedes dejar llevar, lo único que sorprende es la calidad, de la música, de la interpretación, del drama… Es comprensible que haya triunfado, y que en Buenos Aires lleve siete temporadas (la misma producción que ha llegado a España). Pero resulta algo frío por la falta de emoción, que unos días será mayor que otros. El que pille a los actores poniendo la carne en el escenario, como ellos saben, que disfrute del drama, saldrá llorando. Porque todos sabemos que el drama está en todas las casas, pero aquí nos lo cuentan con música, y es más bonito.

 

 

 

 

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Coro VOCES, “SUEÑOS Y RAÍCES”

Es el coro LGTBI de Madrid, y su espectáculo Sueños y Raíces me ha parecido lo más hermoso que he visto en canto coral, en armonía entre música y poesía, con la emoción a flor de piel y un placer inmenso para el espectador. Lo recomiendo: hacen pocas actuaciones, pero merece la pena verlo, escucharlo, y empaparse de diversidad.

“Sueños y raíces”. Espectáculo musical y poético del Coro Voces LGTBI de Madrid. Iglesia Evangélica de Jesús, calle Calatrava. 13 de diciembre 2017.
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Este coro es bueno, suena empastado y entonado, estrena composiciones propias y todas las canciones conocidas están versionadas para el lucimiento de un grupo vocal. El artífice del prodigio musical es Gonzalo Baz, un joven compositor y director de coros que se atreve a hacer lo que vemos en publicidades con coros nórdicos, usando en este caso la poesía y la cultura musical española para llegar a estremecer. Es un trabajo creativo que merece un gran aplauso.

DEF0vJKXUAAVzv2A lo largo del espectáculo se canta Haendel fundido con Abba, Fredy Mercury es homenajeado con fragmentos de Bella y Bestia, un solo femenino flamenco se empasta con oleadas wagnerianas de voz. Escuchar este coro es una experiencia extraña y muy estimulante, porque en todo momento se reconocen sonidos, pasajes, melodías que bailan en la cabeza del espectador. La versión de Peras y Manzanas, del cantautor transexual Viruta, está magníficamente cantada, es una delicia escucharla.

maxresdefault.jpgEl punto de excelencia lo alcanza el espectáculo con la incorporación de la poesía, y un modesto homenaje a Lorca que se mantiene a lo largo del recital. La puesta en escena es sorprendente, sobretodo en la incorporación del coro para producir sonidos, magnífica la tormenta, y hacen uso de máscaras de cartón, sutiles, para bailar fuera de la formación. El movimiento grupal, las manos, las sonrisas, las oleadas coreografiadas, aún tímidas, muy bonitas.

El concierto dura cerca de hora y media, con un breve descanso, que se pasan como un suspiro. No hay que perderse el próximo recital, o concierto, o show. Lo que cuentan es muy bello, y lo que cantan, también.

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PS.: Me informan de una próxima actuación del coro Voces LGTBI en otra iglesia del centro de Madrid, El Salvador (una delicia neo-mudéjar del barrio de Universidad) el jueves 21 de diciembre 2017 a las 20:00. Recomendado.

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LA DAMA DUENDE de Calderón de la Barca por la CNTC

fotonoticia_20171004160613_640El renovado Teatro la Comedia de la calle Príncipe, donde estuvo el corral de comedias, es una belleza. Anoche estaba lleno a rebosar, y como me habían recomendado esta versión, llevé a mi madre a que la disfrutase. Fué un placer escuchar un texto inteligente, vivamente actuado, con una escenografía deliciosa: un buen trabajo de mujeres. Además, salí sintiendo un curioso orgullo por una producción de categoría europea en una compañía nacional española, que muchas veces no me agradaba cuando estaba en el Pavón.

09-031_2LA DAMA DUENDE, de Pedro Calderón de la Barca. Versión muy adecuada y precisa de Alvaro Tato. La escenografía, muy habilidosa con el espacio y con la luz, es de Esmeralda Díaz. Actúan muchos, a mí me gustaron Marta Poveda, Nuria Gallardo y Joaquín Notario. La dirección de Helena Pimenta es muy acertada, a pesar de la prisa.

4101150La trama es una mujer curiosa e inquieta que se escapa de las prisiones morales que le ponen sus hermanos varones. Todas las mujeres son estupendamente listas, y todos ellos tontorrones cuando menos. La dirección ha podido subrayar los trazos gruesos de esta lectura suavemente “feminista”, pero lo que dice el texto es eso, debe ser que Calderón también lo pensaba.

A veces es complicado entender el texto de Calderón si no se actúa bien, claras las imágenes y las intenciones. Aquí lo han hecho estupendamente, si bien aceleran tanto las acciones para cerrar el telón en menos de dos horas, que terminamos alargando el cuello para no perder nada de lo que dicen. Vestidos y ambientados en el siglo XIX, toda la trama mantiene la vigencia. Qué divertido y triste es comprobar lo poco que han cambiado las cosas, si hasta ayer los hombres condicionaban la vida de las mujeres de esa manera tan ruín.

En fín, un gustazo de calidad, y un alivio no salir del teatro con aquella sensación que sacábamos del Pavón: ¿de verdad no se puede hacer algo mejor con nuestros clásicos? Helena Pimenta está dándole la vuelta, enhorabuena.

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FEDERICO Y LOLA, EL DESENCUENTRO

El espectáculo es intenso y emociona, enfrenta a una gran actriz y productora con el autor más brillante del siglo XX español, actriz y poeta discuten, los espectadores se conmueven, y cuando acaba quieren más. No hay muchas oportunidades en el panorama teatral de revisar así nuestros referentes culturales, y de pelearse así con las propias convicciones.

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Guión de Jon Sarasti, editado y documentado por Marijo Stefania. Título original “Federico y Lola, Buenos Aires 1934”. Dirección de Antonio Domínguez. Actúan Tusti de las Heras como Lola Membrives y Néstor Gutiérrez como Federico García Lorca. Vestuario de Cristina Domínguez, Música de César Gutiérrez. Teatro Lara de Madrid, lunes y domingos hasta 25 de diciembre 2017.

federico-lola-desencuentro-cartel-webAmigos, os pido que por una vez me permitáis comentar una obra de teatro que he escrito yo. Es una recreación histórica, como las que firmo para el Museo Arqueológico Nacional, con un personaje del que sabemos mucho, y otro del que desconocemos todo: Lola Membrives, una actriz olvidada en España (que no en Argentina), condecorada por la República y también por el Régimen franquista años después. Una de las dos salas del Teatro Lara de Madrid lleva su nombre, y dice la leyenda que su espíritu recorre los pasillos de ese edificio vetusto. La documentación trae una sorpresa detrás de otra: recabó apoyos para el bando nacionalista durante la Guerra Civil, sólo pisó España en ese tiempo para salvar la vida de Miguel de Molina (perseguido por “rojo”), fue despreciada por el Régimen como amiga de Lorca, y rescatada en la posguerra mundial junto al anciano nobel Jacinto Benavente. Su figura es la de una luchadora infatigable que se casó con el oficio. Buena parte del texto reivindica el oficio de actriz y la libertad de la mujer empresaria.

dmwxpoyxuaax0nz_large.jpgFederico García Lorca vivía en 1934 el momento de mayor éxito y trascendencia, y en Argentina ganó mucho dinero con sus actuaciones y conferencias. El teatro en Buenos Aires era y es aún hoy una industria provechosa, el público llenaba entonces (y llena ahora) teatros enormes  con dos y tres funciones diarias. Federico reconoce en el drama que su independencia económica le libera de otras ataduras y le permite abrazar sin complejos la causa de la liberación sexual, sobretodo de las mujeres, con las cuales espera compartir una liberación social. “Pero las mujeres no son libres, tienen miedo, qué les vamos a decir a las que vienen con sus maridos al teatro”, le contesta la actriz y productora.

ELola Membrives recreada por Tusti de las Herasn marzo de 1934, Federico estaba terminando de escribir Yerma en Buenos Aires, y buscaba convertir el estreno en España en un acto de compromiso político. Pero Lola Membrives no quería dejar escapar al poeta sin estrenar allí el mejor de los textos dramáticos. Lola desprecia todo el tinte político y de revancha que Federico respira en sus expresiones, y le reprime cuando habla de compromiso vital. Finalmente, Lola Membrives nunca estrenó Yerma, pero asistió a su estreno en Madrid, por Margarita Xirgú, jaleada por toda la izquierda republicana.

bodas-sangre--644x362Parece mentira, pero la base del debate sigue vigente, y en los espectadores se nota que la emoción es real, está viva. Lorca está vivo, y Lola Membrives, también.

 

22792354_10159852766145001_5850338270604436425_oEs la primera vez que tengo el privilegio de firmar un texto y que un director lo ponga en escena. Es impagable el talento y la calidad con la que trabaja Antonio Domínguez, que une al talento de conmover al espectador con luz e imágenes, un instinto especial para dar vida a los textos. Gran director, y grandes intérpretes: Tusti de las Heras es una gran actriz, dominadora del escenario, fuerte, emotiva, llena de matices y capaz de emocionar y cautivar al espectador hasta dejarle literalmente con la boca abierta (es confesión textual de los espectadores de anoche), una de las más grandes que tiene el teatro español de ahora. Néstor Gutiérrez se atreve con lo que nadie en España: el icono del poeta, andaluz, universal, gay, comprometido, asesinado; y lo trabaja metódico, sobrio, contenido, hasta hacerlo tan convincente y real que provoca las lágrimas inconscientes del espectador. Os aseguro que no esperaba un resultado tan brillante. No se puede más con tan poco, la palabra, apenas la palabra, y el sentimiento. Muchas gracias.

 

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