NAMELESS HANDS

Danza contemporánea como cuento barroco, delicioso espectáculo de baile y simbología, una generosa pesadilla cultural europea bailada por títeres japoneses (bunraku), que son humanos, que te envuelven en una fascinante pregunta estética. Bailarines, artistas, titiriteros, filósofos: a no perdérselo, solo tres días.

nameless_handsNAMELESS HANDS

Compañía Naoism1, Asahi Performing Arts Award en 2008 por este montaje.
Los bailarines, ellas y ellos todos magníficos, no aparecen sus nombres en ningún lado.
Vestuario: Yuichi Nakashima (artburt)
Diseño máscaras: Hidemi Ishihashi
Dirección, coreografía e iluminación: Jo Kanamori
Teatros del Canal, sala roja, 28, 29 y 30 de noviembre 2013.
 

nameless_handsTuve la suerte de asistir al pase gráfico, , los japoneses bailaban aquello  primera vez en Europa, en la calle caía la primera nevada, y los fotógrafos (que no suelen aplaudir) soltaron los trípodes para levantar las manos batientes. Aquello no era habitual.

Nameless Hands recoge la tradición del teatro japonés a través de los ‘kurogo’, los manipuladores de títeres bunraku (oficialmente Ningyô Yoruri). Los espectáculos de títeres, con manipuladores vestidos de negro con un atuendo profesional específico, separan las tres artes claramente en el escenario: el narrador se sitúa en un lateral, en el otro se sitúa la orquesta, y los títeres crean las bellas imágenes en silencio. Algo así como la ópera, pero más limpio.

nameless_hands¿Intento redactar un argumento?: El constructor de títeres con pata de palo (Gepetto) se enamora de su muñeca, pero su mujer, que lo reprende y no se deja manipular, también se enamora de la muñeca y termina convertida en títere. Gepetto manipulador es también manipulado, porque la muñeca abusa sexualmente de él (Carmen). En medio, Romeo y Julieta viven su aciago amor (puede ser que fueran Tristán e Isolda). Finalmente, todo es pesadilla, pero Gepetto ha traspasado el espejo mágico. En la segunda parte, el homenaje se traslada al ballet y al mundo de la gestualidad. ¿Me gustó más la segunda parte? Es difícil decidirlo, la escena de la cena de gestos, o la consagración de la primavera, son magistrales, hay que verlas.

Lo que vimos anoche es una indigestión de ópera y racionalismo europeo hecho espectáculo de danza japonesa, con bunraku, y poesía visual. No me caben las palabras, porque eran muchos los estímulos. La belleza estriba en el orden, en la secuencia de imágenes tan bien ejecutadas, en la cuidada partitura de movimientos y colores. Narrativa de cuento, belleza coreográfica, música reconocible como enlace cultural, y gran cantidad de iconografía, como para un master o dos. Un placer (una pasada).

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MASTER CLASS

Un espectáculo sobre el arte, una deliciosa exaltación de la entrega y la generosidad del intérprete. Nunca regalen su trabajo, decía Norma-Callas, y ella nos deleitaba con su actuación, con sus manos, con su elegancia inteligente, no exenta de amargura.

masterclass  MASTER CLASS

De Terrence McNally.
Actúan Norma Aleandro y los cantantes de opera Lucilla Gandolfo, Lucía Silva, Carolina Gómez y Marcelo Gómez.
Al piano el maestro Santiago Rosso.
Dirige la escena Agustín Arezzo.
Teatros del Canal, del 9 al 27 de octubre de 2013.
 

masterclass 2María Callas da lecciones en la ciudad de Nueva York, al final de su carrera, y detrás de cada comentario, de cada apreciación, hay toda una vida de pasión por la música. Una soprano que se convirtió en mito por la voz, por la intensidad en su interpretación de personajes, por trabajar en opera, en cine, con los mejores, y también por Aristóteles Onassis, que la abandonó para seducir a Jacqueline Kennedy.

Los alumnos pagan por recibir una lección de la diva, y uno tras otro salen trasquilados del encuentro, con algún que otro elogio. Son tres los cantantes que suben al escenario: La Sonámbula de Bellini, Tosca de Puccini y Macbeth de Verdi. Con la primera aprendemos a traspasar las indicaciones de los autores, no es una sonámbula sino una mujer desgarrada que vaga ensoñando un nuevo encuentro; con el segundo encontramos satisfacción sexual detrás del entusiasmo matutino de Cavaradossi; con la tercera descubrimos que también las mujeres pueden ser diabólicas y sanguinarias.

masterclass La tercera cantante, ofendida ante la superioridad y crueldad (o sincera crudeza) de la Callas, la insulta por haber derrochado su voz en diez años, por ser una buscona del efectismo. En ese momento, la Callas entra en barrena y conecta con lo más hondo de su drama sentimental, la humillación proferida por Onassis, su renuncia al hijo que esperaba, que ella expresa como Medea Ho dato tutto a te, a te… Lástima que en ese momento tan bello sonara un tonto móvil que nos devolvió a la triste realidad, junto con algunas toses: la gente rechaza el drama, aunque sea sublime.

La escena es limpia, amplia, permite el lucimiento de la gran actriz, todo lo llena con su gesto y con su mirada. Es curioso que el autor, norteamericano, viajara a Buenos Aires cuando Norma Aleandro estrenó esta pieza en 1994, para calificarla admirado como la mejor versión de su obra. Curioso pero no extraño, quién mejor que los argentinos para entender el alma de la cantante que marca un antes y un después en la ópera (italiana).

Todo el espectáculo es una delicia, y considero una suerte escuchar tan bello encomio del arte.

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TIRANO BANDERAS

Una novela de referencia malograda en escena, una producción oficial (los actores cobran por su trabajo y su tiempo en un momento en que pocos lo hacen), donde el protagonista no se sabe el papel, y difícilmente puede representar algo que no sea patético. Una puesta en escena antigua, oscura y aburrida.

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TIRANO BANDERAS
Novela de tierra caliente (1927), de Ramón del Valle-Inclán.
Adaptación de Flavio González Mello.
Actúan: Emilio Buale, Pedro Casablanc, Joaquín Cosío, Rafa Cruz, Emilio Echevarría, Vanesa Maja, Mauricio Minetti, Juli  Mira, Susi Sánchez.
Dirección y escenografía de Oriol Broggi.
Producción del Teatro Español junto a teatros oficiales de Méjico, Montevideo, Bogotá, Quito y Caracas.
En el Teatro Español de Madrid, del 10 de octubre al 10 de noviembre.
 

tirano_banderas_escena_46Valle Inclán había estado en América veinte años antes, pero supo captar las miserias políticas y sociales y retratarlas con vocablos y acentos americanos. Tirano Banderas es de compleja lectura al principio, los planos de acción y narración se suceden en una estructura muy moderna que requiere atención. Pero recuerdo la fascinación que me causó su lectura por las poderosas imágenes que transmitía. Es natural la tentación de llevarlo al teatro, ya lo hizo Tamayo en el Español en los años 70.

Todos los que escenifican Valle-Inclán tienen el mismo problema: los textos narrativos (y las acotaciones teatrales), son tan poéticos que los suben a escena, y acaban obligando al personaje grotesco a convertirse en narrador de cara al público.  Así lo vimos esta semana en el estreno, torpe y precipitado, de esta malograda escenificación de Tirano Banderas, en la que el protagonista no acertaba con sus textos, e incluso un actor admirado como Casablanc cometía errores de texto en dos o más ocasiones.

tirano_banderas_escena_36Es la historia de un dictador malvado e inteligente, que mantiene las estructuras de poder bien atadas (en una república imaginaria-muy realista). Reprime, asesina, secuestra, vive rodeado de acólitos sin brío, y se permite caprichos filantrópicos. El Tirano comete un error: incrimina a un soldado leal, que se hace líder de la rebelión, y como consecuencia, lo pierde todo y muere.

En cuanto a la puesta en escena, oscura y enmarañada, echo de menos imaginación, lucidez en el concepto, un poco más de modernidad (recuerdo el montaje polaco de chabolas de Dantón). Si el enmarañamiento proviene de la dramaturgia, mucho me decepciona, teniendo Cataluña tan buena tradición dramatúrgica. Todos sabemos que América es color, vida, fuerza natural, y cuando menos luz. Las imágenes que vimos situaban un administrador colonial africano en un cabaret centroeuropeo. Espero que el director se aclare y dé más luz al montaje según se acerca a América.

  El elenco, a pesar de todo, trabaja de lo lindo (y supongo que aprovecharán la temporada en Madrid para ensayar juntos). Es impresionante el buen trabajo de Vanesa Maja, espléndido actor que da gusto verlo Joaquín Cosío, y muy admirable la versatilidad de una escayolada Susi Sánchez, qué bonita india madre y qué entrañable Valle-Inclán preso en la cárcel. Recordarles me alegra un poquito el sinsabor.

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ESCRIBA SU NOMBRE AQUÍ

Es una comedia, es muy sencilla, está llena de poesía visual, y tiene un fondo filosófico magnífico para una tarde de debate después de ir al teatro. Muy recomendable para inquietas de espíritu y sus novios, que se reirán mucho. Un trabajo digno, admirable, el contrapunto de lo que vi al día siguiente (léase Tirano Banderas).

escriba-aqui-su-nombreESCRIBA SU NOMBRE AQUÍ  
De Cuartoymitad teatro.
El guión y la dirección son de María Prado y Fernando de Retes.
Actúan María Prado, Fernando de Retes, Pablo Huetos, Rebeca Matellán y Fátima Sayyad.
Actúan ahora en la Sala Triángulo de Lavapiés, C/ Zurita.
 

Escriba su nombre aquíComo en una pesadilla, un funcionario atravesado nos complica la vida con absurdos requisitos solo para pobres. Como en un juego de niños, la competencia por el territorio (y la propiedad privada) nos demuestra que somos todos ruínes y ciegos. Como en una película surrealista nuestros padres han escogido en una ventanilla el signo, el nombre, las taras psicológicas y hasta la edad de nuestra muerte.

Todo esto ocurre con mucha gracia en un espacio vacío, con cuatro cajas de madera. Los planteamientos no son gratuitos, y convergen en una delirante escena final de batalla por la personalidad. Solo le falta un par de canciones bien cantadas mientras enterramos un perro o amamantamos un muñeco.

Escriba su nombre aquíEl espectáculo tiene algo de Principito (de Saint-Exupéry) y algo de teatro expresionista, pero el espectador lo vive con alegría. Los cinco actores se entregan al juego limpiamente, y a mí personalmente me encantó el trabajo físico. La coreógrafa se llama Rebeca Matellán, era supongo la actriz que componía unas imágenes realmente bellas en suelo. La gestualidad de un espectáculo surrealista puede ser mucho más hilarante, teatral sin complejos, y de movimiento coreografiado. Apuntan en esa dirección.

Mi más cordial enhorabuena, y la recomendación para quien quiera pasar un buen rato sin zozobras. Salí del teatro cargado de humanidad. Para zozobras, las del teatro oficial (además de público).

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POR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER

Es una delicia de espectáculo musical compuesto con detalle historicista como una revista de los años 20, telones pintados, vestuario bonito, música en directo y canciones interpretadas con gusto exquisito. Me lo recomendaron y tenían razón.

porlosojosderaquelmellerPOR LOS OJOS DE RAQUEL MELLER

Escrito, diseñado y dirigido por Hugo Pérez.
Directora de la producción Katarina de Azcárate, para el productor Juanjo Seoane.
Decorados de Kira Oriola.
Sastras Asunción Gil y Teresa Callejo.
Pintoras Matilde Juárez, Angela Gómez, Clara Martínez.
En el papel de Raquel: Nené Pérez Muñoz, Amanda Puig y Maribel Per.
Dramática: Carmen Rodríguez de la Pica; Cómica: Rocío Osuna; Carácter: Chelo Vivares; Vedettes: Belén Gonzalez y Badia Albayati; Tenor dramático: Pablo Rossi; Galán cómico Iván Oriola.
Director musical Mikhail Studyonov. Orquestina de piano, vientos, metales y cuerdas (uno de cada).
Teatro Reina Victoria (Carrera de San Jerónimo), hasta final de noviembre 2013.

 

Por los ojos de Raquel MellerRaquel Meller, nombre artístico de Francisca Marqués, fue una cupletista tonadillera de los años 20 que se hizo famosa en los teatros de París, Barcelona, Madrid y América, e incluso intervino en películas mudas de Hollywood. Hizo famosas canciones como La violetera o El relicario, y vivió como diva hasta el final de la guerra civil. Por los ojos de Raquel Meller es una biografía musical y un homenaje al teatro de varietés de principios del siglo XX, un recorrido por más de veinte canciones excelentemente orquestadas e interpretadas.

Es un espectáculo de revista, números musicales intercalados por pequeños parlamentos costumbristas. El guión recorre los momentos más relevantes de la vida de la artista, desde que era modista aragonesa en el Paralelo de Barcelona, y vibraba de emoción entregando entre cajas un vestido de lentejuelas a la vedette, hasta las películas, las condecoraciones, quedarse viuda, volverse a casar o los hijos adoptados en América. Su hermana la acompañó en el canto, hasta llegar a protagonizar un musical de Cole Porter. Las imitadoras surgieron por todas partes, y ella que había copiado sin rubor, les aconsejaba autenticidad.

raquelmeller3Todo en el espectáculo está medido y cuidado con el sabor del modernismo mediterráneo: el vestuario (cuarenta cambios y una factura impecable); los telones (enorme ejercicio de archivo y enorme esfuerzo de pintoras y maquinistas); la iluminación (¡debe ser aún más precisa!); el maquillaje; el sonido respetuoso del canto natural (el público anciano echa de menos más volumen). El público se traslada directamente al Teatro Arnau o al Teatro Maravillas en época de la Semana Trágica, la Guerra de Marruecos y Primo de Rivera.

Hay una historia preciosa detrás de esta producción: la de la sala de teatro Tribueñe. Hugo Pérez el joven creador y director, abrigado por un entorno artístico muy femenino, una directora de escena rusa (Irina Kouberskaya) y su familia, han generado un centro de producción peculiar, con títulos muy llamativos (¡estrenan Lorca, y Chejov!, además de los autos sacramentales que diseña Hugo Pérez), y que ellos llaman Teatro de Calidad.

Después de seis años representando Raquel Meller en la sala Tribueñe, la producciónPor los ojos de Raquel Meller alcanza el teatro comercial. Una producción elegante, respetuosa, sin chabacanadas, historicista de una época tan brillante y tan española. Aplaudo la iniciativa y el riesgo de Juanjo Seoane. ¡Esta es una gran producción que debiera estar en el Español! ¿Sería Hugo Pérez un estupendo director de teatro público, bastante mejor que los sufrimos habitualmente? Al menos él ha hecho lo que veníamos echando de menos tantos años.

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TOC TOC

5º año consecutivo en la cartelera madrileña, 500.000 espectadores, 1200 funciones. Son datos espectaculares, no la podía dejar de ver, fui. El teatro lleno, cola para entrar, público de todas las edades y tipologías, una amplia platea y un escenario abierto (¿pudo haber sido un teatro de revista?), un buen programa de mano, la función va a comenzar.

Toc Toc Crítica Jon Sarasti TOC TOC
De Laurent Baffie, en versión española de Julián Quintanilla.
Actúan Esteve Ferrer, Inge Martín, Sara Moros, Ana Frau, Africa Gozalbes, Miguel Foronda y Fran Sariego.
Escenografía de Ana Garay.
Iluminación de Juanjo Llorens.
Dirige Esteve Ferrer.
Teatro Príncipe Gran Vía, temporada 2013-14.
 

En la consulta van apareciendo los pacientes, todos aquejados de una patología maniática sencilla, que les permite vivir pero complica la vida a los que viven con ellos. Son personajes cómicos muy tiernos y sencillos, todos ellos ridículos, que sufren con su manía, por lo que al espectador no le resulta gravoso reírse de ellos, no hay conflicto en la risa. Ellos mismos se ríen unos de otros, y de sí mismos.

TOC-TOC Crítica de Jon SarastiLa virtud del texto está en no contraponer ningún “sano” a los maniáticos enfermizos. Entre los enfermos arman la terapia, y es una terapia esforzada, incluso angustiada, pero siempre malograda. Pobrecitos ellos, el agresivo ambiente urbano no permite la relajación mental, tendrán que convivir con su manía y relacionarse con ella. Salvo un golpe de efecto final, bastante tontorrón, la comedia es lineal, sin conflicto. El único conflicto, la curación imposible de la manía, suscita una interminable sucesión de pruebas, ensayos y fracasos, que se sustentan en la clave cómica inicial, no evolucionan. Así que la comedia, si te hace feliz desde el principio, feliz acabas. Como no sea así, sufrirás el interminable ensayo de los maniáticos compulsivos.

Esteve Ferrer se ha hecho cargo de este título desde el principio, ha dirigido la producción en Barcelona, y desde hace un año al menos, protagoniza la comedia desde el personaje del taxista computador. Y dirige como un domador de circo, no digo que lo haga mal, solo que mantiene a todas las fieras enjauladas, mientras él ruge de manera desaforada. A mí me molesta el grito, y en esta producción han engrosado el trazo cómico hasta perder toda sutileza. ¿Se han adaptado a lo que pedía el público? Si, han brindado a un público poco exigente la comedia comprensible que demandaba. Ahí están los resultados de taquilla.

Todos los intérpretes son estupendos profesionales, y como tales repiten el producto midiendo los esfuerzos. El personaje de Miguel Foronda machaca a las señoras (posiblemente respondiendo a exigencias del público), se agradece la edad de los actores Foronda y Ana Frau (un personaje muy bonito), y los tres más jóvenes tienen el encanto dosificado por escenas. El espacio de Ana Garay es muy efectivo y resuelve el complicado escenario, tan ancho, del Teatro Príncipe. Pero tanta ampulosidad no se ve aprovechada con la pequeñez de los personajes, al contrario, los maniáticos se reparten el espacio como celdas (o jaulas de zoológico). A mí me resultó tremendamente plana en todos los sentidos, pero como ya he dicho, al público le gusta.

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